Judith Kerr nécrologie | Julia Eccleshare

Le créateur de la classique des livres pour enfants Le Tigre, Qui est Venu à Thé et Mog le Oublieux Chat, Judith Kerr, qui est décédé à l’âge de 95 ans, est rare d’être aussi efficace qu’un écrivain et un illustrateur. Elle a toujours affirmé qu’elle était “très lent”, illustrator et que son travail était “plus frottant les de dessin”, mais dans une carrière qui a fonctionné à partir de 1968, cette année, elle a créé plus de 30 livres, principalement à propos de Mog, qui sont tous restés dans la presse et qui se vendent dans le monde entier.

Le best-seller Le Tigre, Qui est Venu à Thé (1968) est son premier livre. Caractérisé par son audace, naïf style des illustrations et douce anarchie, il raconte l’ludique et imaginative, l’histoire de la façon dont le quotidien d’une mère et de sa petite fille, Sophie, est perturbée par l’arrivée inopinée d’un beau rayures de tigre. Il n’y a pas de panique; le tigre s’installe à boire de l’eau et de manger tous les aliments, à Sophie le plaisir plutôt que la terreur, avant de quitter poliment. Quand le père rentre à la maison il acclamations de la mère et de la fille en les prenant à dîner.





An annotated page from The Tiger Who Came to Tea



Une annoté page Du Tigre, Qui est Venu à Thé. Photo: Dan Kitwood/Getty Images

Décrit comme “un éblouissant premier livre”, ce qui rendrait les enfants “hurler de plaisir gourmand à l’dangereux malice de la notion de” par Antonia Fraser, l’un des premiers examinateurs, il a d’abord été reçue comme exactement ce que c’était: un simple livre d’images qui a généré régal pour les enfants. Plus tard, il a été soumis à une analyse beaucoup, avec beaucoup en supposant que le tiger se tenait pour la Gestapo, qui avait si vivement interrompu Judith sa propre enfance. C’était une vue Judith a rejeté catégoriquement; lors de la présidence de son à des événements à travers le pays, j’ai souvent entendu dire, dans la plus belle façon possible“, C’est juste l’histoire d’un tigre, qui est venu à thé. Je l’ai fait jusqu’pour amuser mes enfants car nous avons été ennuyés et parce que leur père était absent, pour le tournage de très longues journées à la fois.”

C’était aussi pour divertir ses propres enfants que Judith a écrit Mog le Oublieux de Chat (1970), la première de ce qui allait devenir une longue et immense succès de la série sur Mog, qui était basée sur la progression de chats, elle-même appartenant à la dernière étant l’objet de Katinka Queue de, en 2017. À la fois dans les histoires et dans le discours qu’elle a donné à de très jeunes enfants, Judith était plus amusant à propos de Mog et son attachante et exaspérant caractéristiques. Elle a donné Mog les traits de l’homme qu’elle croyait chats d’avoir tout en gérant jamais à se détacher de son animal de soi. En 2002, Judith a écrit au Revoir Mog. Il a été courageux pour tuer un bien-aimés enfants de son caractère, même si elle a été ressuscité pour un organisme de bienfaisance tie-in avec sainsbury’s et Save the Children, dans le Mog de Noël Calamité, en 2015.

Au moment de l’au Revoir Mog, et à plusieurs reprises dans les dernières années, Judith a expliqué au public que c’était vraiment sur les gens, pas de chats, de mourir et elle l’a écrit parce qu’elle a été de penser à sa propre mort et celle de ses amis. Elle a toujours réussi à parler de cela avec une affaire de factness, ni trop sentimental, ni trop brusque, et toujours entertainingly. Peu après son 87e anniversaire, elle a dit à un auditoire à Edimbourg qu’elle avait eu un rêve au sujet de son propre enterrement et que, une fois ses enfants étaient allés droit au McDonald. “J’étais furieux,” dit-elle en se moquer de gravité, au milieu de beaucoup de rires de l’auditoire, “qu’ils avaient à peine attendu jusqu’à ce que j’étais mort pour commencer à manger de la malbouffe!”





Judith Kerr wrote Mog the Forgetful Cat in 1970. It was the first of an enduring series about Mog based on the succession of cats she owned



Judith Kerr a écrit Mog le Oublieux de Chat en 1970. C’était la première d’une longue série sur Mog basée sur la succession des chats qu’elle possédait. Photo: Rune Hellestad/Corbis/Getty Images

Judith est totalement adaptée à l’exigence contemporaine de l’auteur et illustrateur pour être un artiste de scène aux côtés de la plus silencieuse et solitaire défi de produire les livres. Toujours soigneusement préparé et élégamment et superbement fait, elle est restée vivante et inspirante haut-parleur jusqu’à sa mort, en prenant part à des festivals et de la librairie des événements, où elle a charmé le public de bébés aux grands-parents, avec son humour sec, la chaleur et le naturel de la narration capacité. Elle avait été due à apparaître au Hay festival la semaine prochaine, pour parler de son livre à paraître, La Malédiction de l’École de Lapin.

Elle a utilisé sa propre vie comme la source d’inspiration pour la plupart de son travail, affirmant que l’histoire n’a jamais été aussi bonnes, si elle se fait à partir de zéro. Son public, aussi, est venu de sa propre vie; long avant qu’elle écrit n’importe quoi, elle dit à ses enfants des histoires. Elle a écrit les livres qui ont suivi, en partie parce que son fils, Matthieu, était tellement insatisfait par les livres qu’il a été prévu de lire.

Elle a également écrit son premier roman pour ses enfants comme un moyen de leur parler de son enfance.

“C’était tellement différent de la façon dont ils ont grandi que je voulais savoir à ce sujet, et je voulais aussi expliquer que ce n’était pas aussi horrible que ça sonnait.”

Quand Hitler a Volé Rose Lapin (1971) est un envoûtant mélange de crainte et d’espoir, l’histoire d’une petite fille de s’enfuir avec sa famille en provenance d’Allemagne et le nazisme racontée à travers des yeux d’un enfant, tout comme Judith souvenir. Comme il a été pour Judith elle-même, de la famille, de la chaleur et les parents de protection façon de traiter avec menace l’empêche d’être le plus effrayant et de la fragmentation du récit, il aurait pu être. Les volumes suivants, dans L’Autre sens – renommé des Bombes sur Tante Dainty (1975) – et d’Une Petite Personne, Loin de là (1978), ont eu moins d’impact dramatique, mais Judith est frais ton est demeurée constante, elle traça elle-même s’adapter à son nouvel environnement et de la croissance.

Dans les livres et dans la vie, elle a montré une étonnante sérénité sur les bouleversements qu’elle avait subi et les raisons pour eux. Elle ne s’attarde pas sur les difficultés de l’enfance comme un outsider, d’avoir à apprendre d’abord en français et ensuite en anglais et n’ayant pas la position et de la richesse dans laquelle elle était née. Au lieu de cela, elle parlait toujours chaudement de le passé, et surtout la manière dont l’arrivée en Angleterre avait senti comme revenir à la maison et être en sécurité.

Né à Berlin, Judith était la fille de l’éminent journaliste et écrivain Alfred Kerr (né Alfred Kempner). Ainsi que le fait d’être Juif, il était un critique virulente des Nazis dès les premiers jours, et tard dans la nuit, en 1933, il a obtenu un tip-off, qu’il serait arrêté dans la matinée. En dépit d’être malade au lit, il s’enfuit immédiatement à Zurich et, après des réunions secrètes au sujet de laquelle les enfants ne savaient rien, sa femme, Julia (née Weissmann), un musicien et la fille d’un homme politique Prussien, bientôt suivi dans l’exil, accompagné par Judith et son frère aîné, Michael. De Suisse la famille s’installe à Paris, et enfin à l’Angleterre en 1936.

De leur confort de vie à Berlin, la famille de Judith ajusté à la vie dans un hôtel de Bloomsbury, à Londres, sans un revenu régulier, tout en survivant à la place sur la bonté et la charité. Bien que Michael a été envoyé à une école publique, Judith l’éducation était plus itinérant; elle est allée à 11 écoles en Allemagne, en Suisse, en France et en Angleterre (où elle a appris l’anglais à partir de la gouvernante de la famille Américaine qui se lie d’amitié avec elle), avant d’être envoyé brièvement dans un pensionnat payés par les étrangers.

Judith quitté l’école à 16 ans pour se former comme un sténographe. Pendant la guerre, elle a travaillé pour la Croix-Rouge, mais a été en mesure de revenir dans l’éducation, en 1945, quand elle a gagné une bourse d’études à la Central School of Art. Par la suite, elle a vendu quelques photos et les textiles, tout en enseignant dans un collège technique avant de travailler comme un éditeur de script et scénariste pour la BBC, une tâche qu’elle a été encouragée par son mari, le scénariste Nigel Kneale, mieux connu pour sa création de la TÉLÉVISION personnage du Professeur Bernard Quatermass, de l’éponyme de la série. Ils avaient rencontré à la BBC à la cantine et marié en 1954. C’est seulement après ses propres enfants avaient commencé à l’école, qu’elle a commencé ce qui allait être sa vie, en créant des histoires et des images dans un étage de l’étude, souvent accompagné de son bien-aimé Mog et ultérieure à d’autres chats.

Judith aimait à travailler et était habile à adapter sa sortie comme elle a grandi par le passage de l’encre pour crayons et crayons de couleur, qui pourrait être plus facilement frotté. Elle n’a jamais perdu de son enthousiasme pour les enfants qui lisent ses livres ou pour leurs parents, dont beaucoup sont venus à ses conférences, dans l’espoir toujours récompensé – d’obtenir des conseils sur la façon de transformer leurs idées dans des histoires. Elle n’est jamais apparu à signaler, malgré le long de la signature de files d’attente; mais elle n’a jamais refusé une raideur de whisky par la suite.

Elle a été nommée OBE en 2012 “pour services rendus à la littérature pour enfants et de l’enseignement de l’Holocauste” et à 2016 a reçu un lifetime achievement award ” par le Livre de Confiance. La semaine dernière, elle a été nommée l’illustrateur de l’année lors des British Book awards.

Kneale mort en 2006. Judith est survécu par sa fille, Tacy, un concepteur des effets sur les films Harry Potter, et son fils, Matthieu, auteur du roman anglais de Passagers, qui a remporté le Whitbread prize en 2000.

Anne Judith Kerr, auteur et illustrateur, né le 14 juin 1923; décédé le 22 Mai 2019

https://www.theguardian.com/books/2019/may/23/judith-kerr-obituary

Judith Kerr – une vie en images

(De gauche à droite) Margaret Calvert, Peter Bowles, Sheila Hancock, Lionel Blair, Amanda Barrie, Judith Kerr, Gyles Brandreth et chambres d’assister à l’Oldie de l’Année awards tenue à Simpson, dans le Strand, à Londres, en 2019

https://www.theguardian.com/books/gallery/2019/may/23/judith-kerr-a-life-in-pictures

Jan Pieńkowski: à l’intérieur de l’esprit derrière Meg et Mog – photo essai

Tici est quelque chose de délicieusement anormale sur le fait que Jan Pieńkowski et Helen Nicoll utilisé pour répondre à Membury services de l’autoroute, près de Marlborough, de travailler dans un enclos partie de la salle à manger comme ils ont imaginé de nouvelles aventures pour Meg et Mog. Les histoires sont si merveilleusement batty – Meg n’a vraiment laisser Jess, Bess et Tess comme les souris pendant une année entière? – les images avec tant de joie vibrante, d’un restaurant, dans une station service sur l’autoroute M4 se sent beaucoup trop prosaïque que leur lieu de naissance.





Childrens author and artist [most famously “Meg and Mog”] Jan Pienkowski at home in his West London studio. Including his art materials and books and art. Commissioned







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  • Pieńkowski bien-aimé de Meg et Mog livres.

Au moins le farfelu sorcière Meg a ses racines dans un endroit un peu moins de run-of-the-mill. Quand j’ai rencontré le né en pologne, Pieńkowski en 2008, il m’a raconté comment son voisin comme un enfant lui a présenté polonais contes populaires, et les sorcières qui tige. Elle a utilisé afin de le convaincre de boire son lait en lui promettant que s’il le faisait, elle avait fini son histoire.





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  • Pieńkowski nous emmène à travers les étapes de Meg et Mog, dans son studio en 2010.

“Elle avait à me dire ces totalement inadaptés histoires, arriver à un cliffhanger et de la fin,” dit-il. “J’ai eu de terribles rêves, de cauchemars, de cette sorcière, toujours chassant moi et essayer de me mettre dans un pot, et vous savez comment vous ne pouvez pas exécuter dans un rêve, vous sorte de gel? C’était comme ça. Je pense que dans un sens elle a donné naissance à Meg, parce que je pense que Meg était vraiment sublime, n’est-ce pas la parole? La prise de ce terrible monstre de mon enfance et de ce qui en fait un jouet inoffensif.”

Le 82-year-old Pieńkowski, qui est aujourd’hui présenté avec un “lifetime achievement award” de la part des enfants le livre de la charité BookTrust, a remporté son premier Kate Greenaway médaille pour sa silhouette illustrations in Joan Aiken, en 1971, roman Le Royaume Sous la Mer, et son deuxième pour son pop-up livre Haunted House, publié en 1979.





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  • Pieńkowski de la Maison Hantée.

Publié en 1980, le titre de pionnier en vedette un crocodile dans la salle de bain, une pieuvre dans l’évier, et un chat noir en regardant le tout avec son sinistre yeux mobiles. Mais avec plus de 140 livres à son nom aujourd’hui, il est peut-être encore mieux connu – dans cette maison, au moins – pour illustrer Meg et Mog.

Célébrer un auteur ou un illustrateur qui a fait une “contribution exceptionnelle” à la littérature pour enfants, la BookTrust prix est décerné par le passé à certains des plus grands noms dans les livres d’enfants, y compris Shirley Hughes, Raymond Briggs et Judith Kerr. Il est temps que Pieńkowski rejoint leur nombre.

Critique de Nicolette Jones, qui a présidé à la sélection des juges Pieńkowski pour le prix, a dit qu’il “a de la magie pour les enfants de l’illustration”, tandis que son compatriote le juge, l’auteur de SF a Dit, a déclaré que “les livres tels que Meg et Mog ont façonné tant de générations maintenant qu’ils sont devenus partie intégrante du tissu de la Britanniques de l’enfance et de la culture en général”. Il a fait l’éloge Pieńkowski pour sa “dynamique de l’originalité et de l’inventivité, de dévouement passionné à l’artisanat, et peut-être surtout pour le sérieux avec lequel il a toujours pris son public”.





Copyright Sarah Lee - Children’ts author and artist [most famously “Meg and Mog”] Jan Pienkowski at home in his West London studio. Including his art materials and books and art.



  • Pieńkowski de chartes de couleurs pour Meg et Mog.





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  • À l’intérieur de Pieńkowski du studio, dans l’ouest de Londres.

Pieńkowski a grandi en Pologne, en Bavière, à Vienne et en Italie avant d’arriver en Angleterre en 1946. D’abord incapable de parler anglais, il fait ses études classiques et l’anglais à Cambridge, a travaillé dans le département d’art d’une agence de publicité et n’a de dessin en live sur BBC TV pour enfants programme avant de le monde du livre découvert en lui. Avec Meg et Mog et son pop-up livres, il est connu pour ses illustrations des contes de fées par Perrault et les Frères Grimm, Le casse-noisette, et de ses récents La Montagne de Verre”: les Contes de la Pologne. Écrit par sa compagne de 56 ans, David Walser, il est illustré à la polonaise traditionnelle de style avec des ciseaux, couper le papier, en s’appuyant sur les récits de Pieńkowski comme un enfant en temps de guerre en Pologne.





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  • Un petit rappel de la Pologne dans son studio.

Walser a dit qu’il était “merveilleux” que Pieńkowski, qui a été diagnostiqué avec la maladie d’Alzheimer, avait remporté le prix, il va recueillir en personne. “Jan n’a pas un gros ego, mais je pense que c’est merveilleux. Il est exceptionnel, les enfants de l’artiste et de l’écrivain. Je pense qu’il a donné un grand nombre d’enfants beaucoup de plaisir et peut-être que ça va continuer longtemps après nous sommes tous morts. Je suis tellement heureux de cette reconnaissance est venu dans le temps,” dit-il. “Une chose que j’ai remarqué au fil des ans est que Jan ne jamais traiter les enfants comme des enfants. Il ne viendrait à lui parler à eux, il se comporte parfaitement normalement … Quand il travaille avec des enfants, il est l’un d’entre eux.”

Bien que le couple a collaboré à de nombreux titres, y compris le Meg et Mog livres suivants Nicoll est mort en 2012, Walser a dit qu’il avait “jamais travaillé côte à côte”.

“Nous avons été ensemble pendant 56 ans, mais il n’est pas facile de travailler avec [il] ne fonctionne beaucoup mieux sur son propre,” at-il ajouté.





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  • Des aiguilles d’une montre: l’Heure du Dîner (1981), Dans le Début (2010), et les Petits Monstres (1986).

Mais Walser a dit qu’il avait “beaucoup appris” à partir de son partenaire. “Il a été un terrible procrastinator et puis souvent fait les choses à la dernière minute. À l’université, il lui arrivait souvent de travailler toute la nuit et une fois que l’aube était en rupture, il a soutenu l’œuvre d’art à la verticale de la regarder de loin. L’encre a coulé. Plutôt que de commencer encore une fois, il a fait une caractéristique de celui-ci,” dit-il. “La leçon qu’il m’a appris, ce qui était absolument indispensable, est que, lorsque vous faites une erreur, ne pas lutter contre elle. Aller avec elle et de prendre avantage de. Jamais une semaine ne se passe lorsque cela ne m’aide pas.”

Comme manquant dans ego comme Walser décrit, Pieńkowski m’a dit en 2008 que son style distinctif initialement découle de nerfs, sur la façon dont ses brouillons pour Aiken Un Collier de Gouttes de pluie serait reçu. “A l’origine, ils ont été tous les gens, puis je me suis dit qu’ils ne sont pas assez bon,” dit-il. “Vous pouvez le voir, je n’ai pas l’anglais, donc dans un sens si vous le faites [silhouettes] il rend anonyme, évidemment pas de mal.”





Copyright Sarah Lee - Children’ts author and artist [most famously “Meg and Mog”] Jan Pienkowski at home in his West London studio. Including his art materials and books and art.



  • Son studio dans l’ouest de Londres, 2010.

Les enfants de l’écrivain Smriti Prasadam-Halls, qui était sur le BookTrust panel de juges, d’accord avec l’universalité de l’image – si pas Pieńkowski du jugement accablant de ses illustrations. “Ses gracieuses figures de la danse de leurs histoires à travers la page, la silhouette se détache sur un fond d’exquis, de couleur spectaculaire. Encrée en noir, ils sont tout à fait universelle. Ils sont en chacun de nous. Nous tous,” dit-elle. “Quand j’ai ouvert l’un de Jan de livres, j’appartiens à la plus ancienne, la plus merveilleuse des histoires jamais dit. Et au sein de la mystérieuse en filigrane de magie qu’il tisse, il y a de la nostalgie, de la menace, de l’éclat, de mélancolie, de joie et toujours, toujours, une indicible beauté.”





Illustrator Jan Pienkowski at home in Barnes, London Picture - Copyright - David Bebber



  • Pieńkowski en 2019, sur la photo à la maison dans Barnes. Photo: David Bebber

https://www.theguardian.com/books/2019/may/09/jan-pienkowski-meg-and-mog-booktrust-award-picture-essay

De Susan Sontag du met Gala: Jon Savage sur l’évolution de camp

First publié en 1964, Susan Sontag, l’essai de Notes sur le Camp reste un révolutionnaire de l’activisme culturel. Sontag, la réalisation a été de donner un nom à une esthétique qui a été partout, pourtant, jusqu’alors, avait disparu en grande partie unremarked. Il était visible par Dusty Springfield’s du mascara et de la ruche, il y a en fin de soirée à la TÉLÉVISION rediffusions de vieux Humphrey Bogart films; il y en Andy Warhol, des impressions d’écran de Fleurs et Chaise Électrique – les images de la publicité et les médias copié et provocante représentés.

Comme la pop, le camp était l’avenir; que Warhol avait observé sur son voyage de ski de fond en 1963, il était omniprésent, si omniprésent que ce n’était pas simplement une esthétique. C’était un environnement, un climat, avec de profondes implications pour la culture occidentale. Pour avis, tous vous avez besoin est l’œil d’un observateur extérieur.

Dans les paragraphes 58, Sontag mené une interface intuitive et rigoureuse à l’examen d’un phénomène qu’elle définit comme “un insigne d’identité parmi les petits centres urbains cliques”. Et ce “code confidentiel” constitue un nouveau mode de perception qui s’est effondré idées traditionnelles de la haute et basse culture, de l’élitisme et de l’appel de masse. C’était une nouvelle hiérarchie de goût, n’est plus définie par l’ancien gardien. Camp était une “manière de voir le monde comme un phénomène esthétique”, écrit-elle, “en termes de degré de l’artifice, de la stylisation”.

Sontag s les premiers passages décrivent les maintenant overfamiliar “tellement mauvais que c’est bon” esthétique: il peut être trouvé dans les dessins de Aubrey Beardsley, le 1933 film King Kong et les lampes Tiffany. Aujourd’hui, Sontag les observations de nous rappeler comment les objets et les œuvres qui ont été déclassée dans les années 1960, sont devenues partie intégrante de goût admis. Elle l’a prédit ce qui allait se passer, bien sûr: “Le canon de Camp peut changer. Le temps a beaucoup à faire avec elle. Le temps peut améliorer ce qui semble tout simplement le contrecoup du manque de fantaisie maintenant parce que nous sommes trop près d’elle.”

Elle note du camp d’affinité avec certaines activités: décoration d’intérieur, vêtements, classique, ballet, opéra. En particulier, les notions de la epicene et de l’artificiel a marqué le camp esthétique: rien de naturel, maladroit ou butch (même si cela est devenu un autre camp de mode). Plus important encore, l’idée de l’excès: “La marque de fabrique de Camp est l’esprit de l’extravagance. Le Camp est une femme de se promener dans une robe faite de trois millions de plumes.”

Le Camp peut être utilisé comme une arme par les gays contre les gays, parfois en tant que pratique pour faire face à la dureté du monde extérieur à la communauté gay. La menace de l’agression peut être coupé par la lame tranchante de la reine langue. Sontag, cependant, préfère s’identifier à une drôle de l’innocence au milieu du camp, de se moquer, ainsi comme une sorte de séduction. Le Camp n’est pas seulement utilisé pour repousser nous; il vise également à nous attirer dans. Et, comme Sontag découvert, il peut être très efficace. Elle commence son essai sonnant légèrement irritable et finit par avoir du plaisir. À l’apogée de son essai, elle observe: “le Camp de goût identifie avec ce qu’il connaît. Le Camp est un tendre sentiment.”





Susan Sontag.



Susan Sontag. Photo: photo par Peter Hujar © 1987 Peter Hujar Archive LLC; avec la permission de Pace/MacGill Gallery, New York et Fraenkel Gallery, San Francisco/Image courtoisie de La Metropolitan Museum of Art

Notes sur le Camp n’a que chose rare: il permet de faciliter un changement majeur dans la perception de la culture dans laquelle elle est définie. La publication de Sontag frank discussion dans Partisan Review, une côte est un magazine en forme intellectuelle de l’opinion, légitimé de la culture gay dans une manière qui continue de résonner.

Derrière les paillettes de la mode monde de la grande collecte de fonds, le met Gala, qui a eu lieu à New York plus tôt cette semaine, Sontag pensées restent pertinentes. Ils fournissent le thème de l’Institut du Costume du dernière exposition au Metropolitan Museum of Art, de Camp: Notes sur la Mode, qui explore les différentes définitions de camp tout au long de l’histoire, de la cour de Louis XIV du 19ème siècle, le dandysme, l’époque. L’une des premières utilisations du terme apparaît en 1869, lettre de Lord Arthur Clinton à son amant Frédéric Parc, en collaboration avec Ernest Boulton formé le pionnier travesti duo Stella et Fanny qui scandalisée Victorienne en grande-Bretagne. Depuis lors, comme l’a Rencontré spectacle conservateur Andrew Bolton a dit: “le Camp est devenu de plus en plus mainstream dans ses pluralités – camp politique, queer camp, camp pop, l’amalgame entre le haut et le bas, l’idée qu’il n’y a pas une telle chose comme l’originalité.”

Lady Gaga, Elton John et Cher, sont présentés dans l’exposition, mettant en évidence la façon dont le camp est devenue courante. Et pourtant, cette esthétique reste encore provocateur et stimulant. Considérons, par exemple, les Irlandais drag queen Panti Bliss célèbre discours sur l’oppression, remixé par Pet Shop Boys en 2014 de piste de danse “Oppresseur (Le Meilleur Gay Possible)”, la victoire de Conchita Wurst en 2014 au concours Eurovision de la chanson, ou Taylor Mac 2018 spectacle épique 24 Décennie de l’Histoire de la Musique Populaire, qui comprenait 246 chansons chantées par Mac élaborée glisser.





Billy Porter arrives at the 2019 Met Gala.



Billy Porter arrive à l’2019 met Gala. Photo: m. Dimitrios Kambouris/Getty Images pour Le met Museum/Vogue

Il est facile de voir comment les Notes sur le Camp était en avance sur son temps, mais Sontag l’essai révèle les attitudes dominantes de son jour le plus évident, dans son attention à propos de discuter de la façon dont le camp était surtout une queer code. Elle retards, faisant de ce point, mais enfin observe que les hommes gais “se constituer comme les aristocrates de goût”, c’est elles qui “constituent l’avant – garde- et les plus éloquents de l’auditoire de Camp”.

Dans la caractérisation du camp de sensibilité “débrayée, dépolitisé”, elle ne parvient pas à comprendre comment il a été utilisé par les hommes gais comme à la fois une protection et à la provocation. Le Camp est politique parce qu’il fait du alors méprisé de la sous-culture gay visible: dans les villes partout dans le NOUS, les jeunes hommes gais serait de sortir “démolition”, dressing, outrageusement et en exhibant leur féminité.

En effet, 1964 n’a pas été une année merveilleuse pour être gay NOUS. L’homosexualité en Amérique, un important article dans le magazine Life, cet été, a commencé avec l’avertissement: “l’Homosexualité cisailles à travers le spectre de la vie Américaine – les professions, les arts, les affaires et le travail. Il l’a toujours fait. Mais aujourd’hui, surtout dans les grandes villes, les homosexuels sont jetant leur furtive moyens et ouvertement admettre, même en exhibant, leur écart … Ce désordre social, que la société essaie de supprimer, a forcé lui-même dans l’œil du public, car il présente un problème.”

Les hommes gais ont été une cible facile pour la police à la recherche rapide d’arrestations et pour les politiciens qui cherchent à s’affirmer à la veille des élections. Cet été, il y avait des “mesures sévères” par la Police de Los Angeles à l’encontre de la ville est de plus en plus visible de la sous-culture gay. Pendant ce temps, sur la côte est, il y avait des raids sur illégales bars gays dans une tentative de “nettoyer la ville” à l’avance de la Foire Mondiale de New York. Warhol peinture murale pour le Pavillon État de New York, de Treize la Plupart des Hommes recherchés, a été sommairement peint.

Encore Sontag, son essai, simplement en discutant de l’homosexualité dans nuancée termes, pris d’une libéralisation de la remontée. Notes sur le Camp a donné un énorme coup de pouce pour les différents disparates petits groupes dans les de NOUS agiter pour les homosexuels de réforme du droit. Il a agi comme un fer de lance dans les médias de masse pour tout un ensemble d’idées, les attitudes et les images. Il rejoint les points entre la nature de la culture underground représentés par des petits LA label Camp – qui sort le single “je préfère Combat Que se rincer la bouche”, avec la B-side“, je préfère Swish Que de Combattre” – et l’ensemble de la manifestation de gay style par des groupes comme les Rolling Stones, les encourage à camp que possible par leur manager Andrew Loog Oldham scolarisés dans le milieu gay de Londres Tin Pan Alley.

Sontag elle-même entré Warhol dans le monde à l’automne de 1964, assis pour l’un de ses muets en noir et blanc “screen tests” à son studio de Manhattan, l’Usine. Les tests ont été conçus pour exposer le sujet, et Sontag a été l’occasion, oscillant entre haute gravité, le mépris et l’a sauvagement sourire moqueur.





Andy Warhol’s Self-Portrait with Platinum Bouffant Wig (1981).



Andy Warhol est l’Auto-Portrait avec Platine Bouffant Perruque (1981). Photo: royaume-UNI, Londres, Tate Gallery

L’année suivante, Warhol a réalisé un film à l’Usine avec un mot de Camp, avec de tels underground film pionniers comme Gerard Malanga, Baby Jane Holzer, Jack Smith et Mario Montez. Gloria Steinem a écrit un article pour le magazine Life a appelé les Tenants et Les Aboutissants de la Culture Populaire qui, en écho à Sontag, elle a observé la disparition des frontières entre haute et basse de l’art, de l’art nouveau et de James Bond sweatshirts: “le Camp lui-même”, écrit-elle, “peut être une sorte de système d’alerte précoce pour la Pop.”

Il est intéressant de voir qu’il a fallu deux femmes intellectuels d’écrire à propos de ce nouveau phénomène. Pour un ouvertement gay homme de le faire dans les années 1960 aurait été impossible: Warhol renommée extraordinaire a été souvent rencontré avec les abus. Lorsque le groupe qu’il a réussi, Velvet Underground, joué à San Francisco au printemps de 1966, critique Ralph Gleason décrit comme “très kitsch et très Greenwich Village malades”. Encore plus extraordinaire, c’est un Village de la Voix l’article le nom de Warhol comme faisant partie d’un complot homosexuel pour le contrôle de la culture américaine.

Mais à l’époque, de la pop et du camp, de sorte que souvent jumelées, semblait faire partie d’une nouvelle ouverture, une expression culturelle de la nouvelle de la libération des mouvements émergent dans le sillage de la défense des droits civiques des campagnes. Au cours de la fin des années 60 et au début des années 70, ces mouvements ont commencé à bouger l’opinion publique, dans le long terme, la modification de la loi et de la politique dans les sociétés pluralistes de l’ouest.

Notes sur le Camp est l’un des principaux libération document avec une longue tradition. En 1964, elle a été principalement écrit sur les hommes gais, mais sa notion de camp sont désormais envisagées à travers le LGBTQ spectre. Comme des expressions de genre et l’identité sexuelle sont devenus de plus en plus diversifiée et d’auto-expression a trouvé plus de libertés – camp est devenu un célèbre fonctionnalité beaucoup plus large de la communauté.

L’influence de la gay goût et le camp de la culture pop est maintenant répandu, mais Sontag est que les paragraphes sur l’androgynie – “l’une des grandes images de Camp de la sensibilité”, – ont une pertinence renouvelée dans une période où l’égalité entre les définitions sont à gagner. “Le Camp de l’œil a le pouvoir de transformer l’expérience”, fait-elle observer, et il est en acier au camp de base.

https://www.theguardian.com/books/2019/may/08/camp-goes-pop-why-susan-sontag-fans-are-having-a-ball

Walter Gropius par Fiona MacCarthy examen – le visionnaire derrière Bauhaus

Jef Fiona MacCarthy étaient moins confiants écrivain, elle aurait commencé sa biographie de Walter Gropius avec le moment de leur rencontre, un an avant le grand homme est mort en 1969. MacCarthy a été assistant à l’exposition du Bauhaus à la Royal Academy, un événement marquant destiné à introduire de l’après-guerre à Londres pour le rôle précurseur de l’art à l’école Gropius avait fondé, 50 ans plus tôt, à Weimar. Tout Britannique des constructeurs et des fabricants avait passé la première partie du 20e siècle barattage Tudorbethan demi-finales et les farcir avec de la production de masse encombrement, leur Bauhaus formés homologues Allemands, mais aussi en Suisse, les Tchèques et les Hongrois avaient travaillé à un bichonnage moderne “international” l’esthétique au service d’un Gesamtkunstwerk (œuvre d’art totale) dans les bâtiments et leur contenu a été conçu comme une entité. Ici était un rationnel, fonctionnel et surtout de conception intégrée pour la vie, attentif à la claire lumière du nord comme il a été à la forme d’une poignée de porte.

En personne, Gropius s’est avéré être agréablement Bauhausian trop de rechange, soigneusement fini et, même à 84, exsudant un certain shimmer. MacCarthy déclaré elle-même dûment ébloui. Pourtant, malgré cela, elle choisit de commencer son récit, quatre ans plus tôt, lorsque, comme le Courreges-botté de conception correspondant du Guardian, elle a été envoyée en mission pour Bromley à regarder une chaise. Pas tout ancien président, mais le Isokon Chaise Longue, un classique du design des années 1930 qui avait été hors de la production pendant plusieurs années en raison de restrictions en temps de guerre et était maintenant en train de modestement relancé dans un magasin de meubles dans la banlieue de Kent. Il a été, MacCarthy dit, comme aucun autre président qu’elle n’avait jamais vu, “tout en courbes, fluide et poétique” et, sans un soupçon de chintz. La publicité originale dépliant promis que, allongée sur la Chaise Longue était comme flottant sur l’air. Pour l’avoir essayé, MacCarthy sentir lié à accepter.





A Bauhaus teapot designed by Marianne Brandt.



Bauhaus théière conçu par Marianne Brandt. Photographie: John MacDougall/AFP/Getty Images

Mais voici la chose. Cette chaise n’a pas été faite par Gropius. Alors que son intellect et de l’esthétique, il y a dans chaque prudent dip et de la houle, c’était son ami et collègue, Marcel Breuer, qui avait fait mettre un crayon à papier et fait de la poésie avec de l’estonien en contreplaqué. En fait, au cours de ses 50 ans de carrière, Gropius n’ai pas fait de meubles, et rarement même fait des bâtiments. La plupart des pièces emblématiques que nous associons avec le Bauhaus – le Wagenfeld lampe, Marianne Brandt théière, Anni Albers tissages – venez avec quelqu’un d’autre nom. Une grande partie de la grande évasion de l’architecture de l’époque – la Villa Savoye , à proximité de Paris, la Villa Tugendhat à Brno – a été le travail de Gropius, les associés de Le Corbusier et Mies van der Rohe. Même à l’école du Bauhaus lui-même, l’enseignement de la faculté, qui comprenait Paul Klee, Wassily Kandinsky et Oskar Schlemmer, était toujours en danger de hors-mettant en scène le directeur.

Par nous présenter à son sujet par le biais d’un président, il n’a pas, mais qui ne pourrait exister sans lui (Breuer consulté son collègue et voisin constamment au cours de sa conception), MacCarthy soigneusement met son point de Gropius réel de génie a été de venir avec des idées et de la création d’un contexte dans lequel ils pourront s’épanouir. Sans son dispersées de la brillance, de nombreux artistes de renom et d’artisans n’auraient pas été en mesure de faire le travail qu’ils ont fait. Ne serait générations d’étudiants en art ont bénéficié de la Vorkurs, une période probatoire au cours de laquelle ils ont été nécessaires pour maîtriser les formes de base, les textures et les couleurs avant de se spécialiser dans un domaine particulier de l’art ou de l’artisanat (Gropius était résolument opposé à tout l’ordre hiérarchique). Cette année de la fondation a continué à faire partie de la façon dont l’art que les écoles fonctionnent à ce jour.

Inévitablement, l’étouffant bourgeois de Weimar bientôt a décidé qu’il y avait quelque chose d’étrange à propos de leur Bauhaus voisins, ce n’était pas le fort des parties et le nu de la natation, mais la tatillonne s’inquiéter que c’était quelque chose à voir avec le Bolchevisme (la Révolution russe a été un très récent de la mémoire). Ainsi, en 1925, Gropius déplacé le Bauhaus 100 miles au nord de Dessau, et qui se matérialise les codes de l’école de maturité de son style. Le plus tôt l’accent sur le retour à l’époque médiévale traditions de l’artisanat a été intégrée dans une exploration de processus industriel. Gropius conçu une maison pour son école qui a été faite de béton armé, murs-rideaux de verre et un plat bitumé toit qui a fonctionné comme un pavé dans le ciel. Dans l’esprit de Gesamtkunstwerk, l’aménagement intérieur, le mobilier et l’éclairage ont été fabriqués dans ses ateliers.





Walter Gropius in 1930.



Walter Gropius en 1930. Photo: ullstein bild Pif./ullstein bild via Getty Images

C’est très controversé. MacCarthy traite habilement avec souvent posté des accusations contre Gropius qu’il était sexiste dans toutes les façons habituelles de l’époque: à l’école du Bauhaus les filles ont fait le tissage, les garçons construit des choses et les maîtres senti le droit de l’essayer avec n’importe qui, ayant pris leurs yeux. C’est lorsque nous arrivons à la prochaine partie de l’histoire qu’elle est obligée de se pencher et de faire certains de levage lourd. Les soupçons ont toujours circulé Gropius n’ai pas résister au nazisme tout aussi énergiquement que la postérité aurait aimé. Par le temps que la police piétiné à proximité du Bauhaus vers le bas sur le motif qu’il était “l’un des plus évidentes refuges de la Juive-conception Marxiste de “l’art” ” (Gropius était ni), il avait quitté l’école et a travaillé en pratique privée à Berlin. En 1933, il participe à un concours pour la conception de la nouvelle Reichsbank. Ses plans ont été rejetées, et pourtant il a continué à espérer que les Nazis pourraient trouver quelque chose à aimer dans sa réserve encore des œuvres monumentales: pas tous les fascistes thug convoitait un Ruritanian pavillon de chasse. Au lieu de se braquer, de cela, MacCarthy souligne que Gropius avait toujours été un collaborateur dans le meilleur sens du mot. Son désir était d’atteindre plutôt que de battre en retraite – une qualité montré le plus évident lorsque vous traitez avec les nombreux amoureux de sa première femme, Alma Mahler, veuve du compositeur. Plutôt que de contester l’aime d’Oskar Kokoschka ou Franz Werfel à un duel (Gropius avait servi comme de l’or-frogged officier de Hussards pendant la guerre et sut tirer), il est disposé à voyager à l’autre à travers l’Europe pour parler des choses. En plus de servir à neutraliser certains d’Alma, toxique, rabat, mais cela signifiait aussi qu’il pourrait ajouter à ces hommes, dont plusieurs ont été influents et les plus riches, à son carnet de contacts. Le pire que vous pouvez dire à propos de Gropius, MacCarthy suggère, c’est qu’il vivait à une période de l’histoire où être un pragmatique pourrait sauver votre vie.

En 1934, il était clair que même cette tête-en-bas n’était pas d’aller travailler et de Gropius et de sa deuxième femme Ise échappé à Londres ou, plus particulièrement, à Hampstead, où ils s’installèrent dans la célèbre Pelouse de la Route des appartements, que les blancs étincelants complexe qui englobe l’idée d’une “machine à habiter”. En éliminant inutile de main – d’il y a un communal de la cantine et de nettoyage des chaussures service – libre temps pourrait être consacré à des choses importantes: intelligente de parler, affaires d’amour et de la conception de la Isokon Chaise Longue avec Breuer qui avait emménagé à côté de la porte. Mais la Pelouse de la Route n’est guère représentatif des années 1930, les Britanniques de l’architecture – en effet, il a frappé beaucoup comme une abomination et les possibilités de Gropius à la construction de son propre travail étaient minces.

En théorie, les états-unis, où Gropius et Ise déménagé trois ans plus tard, aurait été préférable. Non seulement il avait élargi son vocabulaire anglais au-delà de trois mots, mais c’était un endroit qui semblait à l’aise avec sa propre modernité. Tous ces silos à grain et de l’eau des tours de rendre n’importe quel moderniste du cœur battre plus vite. Mais les grosses commissions ne s’est pas concrétisé. Cela était en partie parce que Gropius a travaillé à l’université de Harvard, un travail qui lui a fourni les papiers nécessaires, un titre et un revenu, mais pas beaucoup de temps pour faire de nouveaux travaux.

La construction la plus associée avec lui de cette période était de sa propre maison, qui, tout exemplaire, n’a guère été sur l’échelle de la projets “Mies” et “Corb” ont été quadrature à, dont le monumental du Seagram building et le siège de l’organisation des Nations Unies.

Dans l’histoire du 20e siècle, la conception, il est trop facile de tomber dans le piège de croire que les modernistes apprécié des idées et de la forme – et plus particulièrement des idées sur la forme – dessus de la vie, la respiration de personnes avec leur chaleureuse mess. Dans ce brillamment récupération biographie MacCarthy, le même service pour Gropius, comme elle l’a fait il y a 25 ans pour William Morris. En bref, elle nous montre l’homme derrière le champ de force. Aller à Ikea et vous verrez combien nous avons encore dois lui.

Walter Gropius est publié par Faber (£30). Pour commander un exemplaire, aller à guardianbookshop.com ou appelez 0330 333 6846. Free UK p&p de plus de £15, les commandes en ligne seulement. Les commandes par téléphone min p&p £1.99.

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/25/walter-gropius-bauhaus-fiona-maccarthy-review

Le Dernier Léonard de Ben Lewis revue – les secrets de la plus chère du monde la peinture

Jen novembre 2011, une petite peinture de la Renaissance, connu comme le Salvator Mundi (“Sauveur du Monde”) est allé à l’affiche de la Galerie Nationale. C’était une impérieuse, de mauvaise humeur, un peu étrange image: une demi-longueur de la figure du Christ, avec les boucles de cheveux châtains, la tenue d’un cristal transparent de l’orbe. Encore plus intéressante est l’étiquette, le décrivant comme un nouvellement découvert de travail par Leonardo da Vinci.

Cette attribution, à l’extrémité supérieure du monde de l’art de l’échelle de Richter, a été controversée pour plusieurs raisons, notamment parce que – contrairement à la Galerie Nationale de la politique – il permis d’améliorer radicalement la valeur de marché d’une entreprise privée d’œuvres d’art. Ses propriétaires ont été à ce point mystérieux: un Américain “consortium” a été mentionné. Ils étaient, en fait, deux mi-tableau New York marchands, Robert Simon et Alex de la Paroisse, qui l’avait acheté en 2005 sur une interface intuitive coup de tête, recouvertes d’un épais repeint et en mauvais état, à partir d’une petite maison de vente aux enchères à la Nouvelle-Orléans. Ils ont payé de 1 175$. Nettoyé, dépouillé et soigneusement restauré par Dianne Modestini,, authentifié par d’éminents Leonardo experts tels que Martin Kemp et David Brun, et a lancé, avec l’imprimatur de la Galerie Nationale, le Salvator Mundi était arrivé. Après cinq siècles d’obscurité, il a été une notoriété internationale, un conte de la grenouille transformée en prince de peintures.

En 2013, Simon et Paroisse vendu l’image pour 80 millions de dollars pour une Suisse intermédiaire, qui ont rapidement revendu à un oligarque russe, Dmitry Rybolovlev, pour la somme de 127.5 m. Elles ont été à des ventes privées, mais quand Rybolovlev à son tour, a décidé de vendre, il a été dans le film complet projecteurs du aux enchères publiques à la Christie’s New York, écrits dans le Rockefeller Center. Dans la soirée du 15 novembre 2017, le commissaire-priseur a ouvert l’appel d’offres sur le Lot 9b, qu’il qualifie de “chef-d’œuvre de Léonard de Christ le Sauveur”. Après quelques minutes, il atteint 180 millions de dollars, battant ainsi le précédent record pour une peinture vendu aux enchères, ensemble en 2015 par Picasso Femmes d’Alger. Pendant un moment il y avait cinq soumissionnaires dans le jeu – tous les anonymes, bien que tous, sans doute, à classifier, à la unlovely la terminologie de l’art haut de gamme-traitant, comme UHNWIs (ultra-high-net-worth individuals) – mais pour les 10 dernières minutes, il y avait seulement deux qui s’affrontent. Le prix final était de $450 millions, ce qui inclus Christie commission de 50 millions de dollars. L’acheteur était un mineur royale Saoudienne, le Prince Badr bin Abdullah al Saud. Il est largement répandu pour avoir été une proxy de la Couronne, le Prince Mohammed bin Salman, si le bénéficiaire immédiat était le nouveau Louvre Abu Dhabi, pour qui (selon Saoudite sources), il a agi comme un “intermédiaire acheteur” de la peinture.





Prince Badr bin Abdullah al Saud paid $450m for the painting.



Prince Badr bin Abdullah al Saud a versé une somme de 450 millions pour la peinture. Photo: Valery Sharifulin/TASS

L’histoire de la plus chère du monde la peinture est raconté avec beaucoup d’enthousiasme et formidablement documenté en détail dans Ben Lewis livre. Il a parlé à juste au sujet de tout le monde, même la publicité-timide Rybolovlev, qu’il décrit comme un “manuel oligarques” avec le “vide d’air” de la milliardaire. Le livre est chronométré eh bien, comme les célébrations de la vitesse pour le 500e anniversaire de Léonard de vinci est mort le 2 Mai. Lewis a une formation en arts du journalisme et des films documentaires: snappy reportage de faramineuses traite est son élément. Mais à son crédit, une grande partie du livre est plutôt un mode différent d’un patient à la recherche historique. Il se penche sur le damier de la carrière de la peinture depuis ses débuts, probablement à Milan, quelque part autour de 1507-10 – qui le conduit dans des zones où se cachent beaucoup plus de questions que de réponses.

Son enquête au sujet de la provenance du Salvator Mundi jette un doute considérable sur les réclamations qu’elle a été autrefois dans la collection de Charles I, et qu’il est répertorié dans un inventaire de 1650 comme “un peece [image] de Christ a fait par Leonard”. Cette idée a été avancée de la Galerie Nationale et Christie’s catalogues pour indiquer que la peinture a été traditionnellement connue et appréciée comme Leonardo. La question de la provenance est compliquée par l’existence de plusieurs autres peintures à l’ Salvator iconographie, certains très logiquement attribués aux élèves et imitateurs de Léonard de vinci. L’un de ces, dans le Musée Pouchkine à Moscou, était certainement dans la collection royale, comme il porte la marque de CR (Carolus Rex) sur l’arrière du panneau. Ce tableau, attribué à Giampietrino, peut-être bien le “peece” détaillée en 1650.

La première certains de visée du Salvator Mundi n’est pas jusqu’en 1900, quand il a été acheté par un riche industriel du textile, Sir Francis Cook. Il se retrouva dans la cuisine de la famille de la maison à Richmond jusqu’en 1958, et a ensuite été vendu chez Sotheby’s à un homme d’affaires Américain, Warren Kuntz, pour £45, “une somme si faible, il laisse à penser qu’il était le seul soumissionnaire”. Kuntz et sa femme Minnie vécu à la Nouvelle-Orléans, qui est l’endroit où la peinture a été plus tard repéré sur une vente, d’une salle de site web en raison de la spéculation des yeux d’Alex de la Paroisse.

Lewis questionnements de l’ Salvator’histoire, de soulever des questions à propos de son statut historique et de la visibilité, et ceux-ci conduisent à leur tour à la question fondamentale de savoir si la peinture est vraiment un autographe de travail de Léonard de vinci. Huit ans après son apparition à la Galerie Nationale, le consensus entre Leonardo chercheurs est probablement pondérée contre l’attribution, même si la question n’est pas l’un qui se prêtent à une réponse positive ou négative. Le travail pratique de l’italien de la Renaissance studio a été collective. Le maestro était sa figure centrale, mais d’autres – les assistants, les apprentis, les spécialistes ont collaboré à ses produits. Certains clients stipulé dans la mesure du maestro contribution à une peinture: ils étaient prêts à payer plus pour son coup de pinceau. D’autres avec un petit budget voulais juste le Leonardo “look” et ont été heureux avec une copie signée. Un visiteur de son studio en 1501 rapports: “Deux de ses assistants, faire des copies, et il a de temps en temps ajoute quelques touches d’eux.”

Un peu de rouge à la craie croquis de la manche draperies, trouvé dans la Collection Royale, Windsor, sont certainement de Léonard de vinci. Ils sont semblables, mais non identiques, aux manches dans la peinture, et même s’ils étaient identiques, ils ne seraient pas nous dire dont le pinceau copié sur du noyer-panneau de bois Salvator Mundi.





The Louvre Abu Dhabi Museum.



Le Musée Du Louvre Abou Dabi. Photographie: Giuseppe Cacace/AFP/Getty Images

Ces ateliers pratiques sont un élément essentiel du contexte. La question pertinente n’est pas “Est-il par Leonardo?” mais “Comment beaucoup de il est par Leonardo?” En 2012, Carmen Bambach déclaré: “Beaucoup de la peinture originale de surface peut être par Boltraffio” – l’un de Léonard les plus brillants Milanais assistants – “mais avec des passages effectués par Leonardo lui-même.” Elle identifie les mains et de la orbe de cristal de leonard de vinci. Dans la dernière édition de son catalogue raisonné des œuvres de Léonard de vinci, Frank Zollner décrit le Salvator comme un “produit de haute qualité de Leonardo de l’atelier” basé sur une conception par lui. Dans un article du magazine allemand Monopol, il a identifié la question qui sous-tend l’attribution d’un débat. “C’est de l’argent”, écrit-il. “Un bon atelier de peinture allait chercher estimée à 20 millions de dollars.” Son article est paru la veille de la peinture, fortement médiatisée que par Léonard de vinci, vendu à New York pour 20 fois cette somme.

Aucun des plus tôt les experts qui ont vu la peinture à Richmond avait aucune idée c’était de Léonard de vinci. Tancrède Borenius, qui a catalogué le Cuisinier de la collection en 1913, l’a décrit comme une “copie gratuite” après Boltraffio – deux degrés de séparation de Leonardo, tandis qu’un autre catalogueur identifié seulement comme “Milanais de l’école de vers 1520”. C’est peut-être pas surprenant, car la peinture est atypique – il de Léonard de vinci est seulement en solo à la représentation de l’adulte Christ, et son full-frontal posture est tout à fait différente de celle des trois-quart des profils et fluide contrapposto de son laïque portraits.

Lewis résume l’histoire du Salvator Mundi comme un récit avec “trop de l’intrigue trous” – “la provenance est la spéculation, de l’attribution optimiste, la restauration de vastes” et “le prix exorbitant”. Un “pot-pourri” d’intérêts a combiné “à son tour un atelier de peinture dans un Léonard de vinci”. Mais il reste quand même main: reconnaissant pour la peinture de la survie, en admirant de Simon et de la Paroisse de l’audace et de défense de Modestini,, dont la restauration a été critiqué pour “Leonardising” les restes de l’original. La peinture, dit-il, est “un Léonard de vinci pour notre temps, un post-vérité Léonard de vinci”.

Il y a un dernier “tracer le trou” qui est de donner à ceux qui sont impliqués dans cette aventure compliquée une cause de préoccupation. Le Salvator Mundi a – temporairement du moins – ont disparu. Trois semaines après la vente aux enchères, Abou Dhabi du Ministère de la Culture a tweeté: “Da Vinci Salvator Mundi est à venir à #LouvreAbuDhabi”. La galerie du site a jailli: “Perdus et cachés depuis si longtemps … [le] chef-d’œuvre est maintenant notre cadeau pour le monde.” Puis, en septembre de l’année dernière, deux semaines avant la date du dévoilement de la peinture dans sa nouvelle maison, l’événement a été brusquement annulée. Un communiqué de presse promis de nouvelles informations, mais aucun n’a été à venir – un inattendu chapitre de silence, l’esprit de Leonardo est peut-être juste en profiter.

Charles Nicholl Leonardo Da Vinci est publié par Penguin. La Dernière Leonardo est publié par William Collins (£20). Pour commander un exemplaire, aller à guardianbookshop.com ou appelez 0330 333 6846. Free UK p&p de plus de £15, les commandes en ligne seulement. Les commandes par téléphone min p&p £1.99.

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/17/last-leonardo-secret-lives-worlds-most-expensive-painting-ben-lewis-review

Moins de 2% des enfants Britanniques, les auteurs sont des gens de couleur

Pendant une décennie au royaume-UNI, moins de 2% de tous les enfants du livre de créateurs – auteurs et illustrateurs – Britannique, les gens de couleur, selon les recherches les plus récentes dans l’industrie de l’édition du manque systémique de la diversité.

Commandé par BookTrust, le royaume-UNI de grande les enfants de la lecture de la charité, le rapport à l’UCL professeur agrégé Melanie Ramdarshan Gras combine une analyse de tous les enfants des livres publiés au royaume-UNI entre 2007 et 2017, ainsi que des entrevues avec 15 auteurs de couleur, y compris de Benjamin Zephaniah et de Malorie Blackman. BookTrust directeur de livres pour enfants Jill Coleman a dit qu’il révèle un “manque désespéré” de gens de couleur dans l’industrie.

Le BookTrust rapport a conclu que seulement 5.58% des enfants du livre, les auteurs et les illustrateurs étaient des gens de couleur en 2017 – le moins diversifié année depuis 2009, et nettement comparable pour le recensement de 2011 a conclu que 13% de la du royaume-UNI de la population appartiennent à un BAME arrière-plan. Lorsque les chercheurs ont examiné les Britanniques, les créateurs de la couleur, la proportion est encore plus faible, à peine de 1,96%.

En dépit des initiatives visant à corriger le manque de diversité dans les livres de l’industrie, le rapport a également constaté que, bien que le pourcentage de créateurs de couleur a augmenté entre 2007, quand il était de 3,99%, et en 2015, quand il a atteint 7,8%, il n’y avait alors deux ans de repli.

Les créateurs de la couleur a également eu moins de livres publiés sur la moyenne – deux – que le blanc de créateurs, qui, en moyenne, publié quatre . Ils étaient également plus susceptibles de s’auto-publier, avec un tiers des Britanniques des créateurs de couleurs ” titres auto-édité, par rapport à 10,74% de titres par les Britanniques blancs créateurs.

Le rapport intervient après une étude commandée par le Centre d’Alphabétisation dans l’Enseignement Primaire, en juillet dernier, a constaté que seulement 1% des enfants Britanniques de livres en vedette un noir ou de minorités ethniques personnage principal.

Illustrateur Jean Apa, qui a été interviewé pour l’BookTrust rapport, il décrit comme un “cercle vicieux”. “Vous n’avez pas le brun les gens dans les livres pour enfants, brune donc les gens ne grandissent pas de la lecture de livres pour enfants ou de profiter des livres pour enfants, afin de ne pas faire des livres pour enfants, et ainsi de suite,” dit-il.

Blackman, les anciens enfants lauréat et auteur du best-seller morpion de la série, a déclaré que “d’avoir à attendre si longtemps pour me voir dans les livres que je lisais était une partie importante de pourquoi je suis devenu un auteur à la première place”. Sophonie a rappelé que, lorsqu’il a commencé, “j’ai eu les éditeurs en disant: “Nous ne publions pas de noir et Rasta de la poésie. Nous ne savons pas quoi faire avec elle.’”

Bien que les causes de la sous-représentation sont “complexes”, les auteurs du rapport ont admis qu’ils ont identifié un “cercle vicieux” qui commence avec les enfants de ne pas se voir dans des livres au cours de la période, elles devraient commencer à penser à l’avenir des professions. Les gens de couleur serait alors face à “des obstacles subtils ceux qui ne sont pas de moyen/de la classe moyenne supérieure arrière-plan” et ont de la difficulté à trouver un agent ou un éditeur.

Auteur et illustrateur de Nadia Shireen a dit que quand elle a lu dans les écoles, les réponses des enfants de couleur était “incroyable”. “Vous pouvez voir leurs visages s’illuminer avec possibilité. J’ai sous-estimé l’importance jusqu’à ce que je l’ai vu de mes propres yeux”, dit-elle. “Il n’y a que la phrase, “Vous ne pouvez pas être ce que vous ne pouvez pas voir”. Il est important que tous les enfants, de toutes les ethnies à comprendre que les gens qui me ressemblent peut faire des travaux de ce genre. Ce n’est pas seulement chic pour les femmes blanches ou blanc vieux gars avec la barbe.”

De nombreux auteurs et illustrateurs interrogés pour le rapport exprimé leur inquiétude que la diversité a été utilisé comme un mot à la mode dans l’industrie en raison de sa mono-culture de, malgré des années d’initiatives.

Sur le dos du rapport, BookTrust a annoncé, de sa propre initiative: BookTrust Représente, un projet de trois ans qui prendra en charge et de subventionner les auteurs et les illustrateurs de la couleur pour promouvoir leur travail et atteindre plus de lecteurs à travers des événements dans des librairies, des festivals et des écoles. Faire équipe avec Parlant des Volumes et de la Pop des Projets, la charité est la distribution d’une brochure qui célèbre les 100 Britannique des écrivains et des illustrateurs de couleur pour les écoles à travers le pays.

Coleman a souligné l’importance de la surveillance de la situation. “Si vous n’avez pas toutes les données que vous ne pouvez pas mesurer l’impact”, dit-elle. “Notre objectif est de faire ce même travail de recherche en 2020 et 2022 et notre objectif est de 5,6% à 10%. Je pense que c’est faisable. Mais sans une base de référence, c’est dépasser de beaucoup de parler avec aucune information … les Enfants ont besoin et méritent de se voir eux-mêmes dans les livres, et d’avoir accès à un riche éventail et la diversité des voix. S’ils le font, il peut changer la vie.”

Le royaume-UNI n’a commencé à suivre la diversité dans les livres pour enfants de l’année dernière. Aux états-unis, où la Coopérative du Livre pour Enfants d’un Centre à l’Université de Wisconsin-Madison a suivi la diversité des statistiques pendant des années, les militants récemment fait remarquer à un “changement radical” dans la représentation, avec le nombre de livres pour enfants mettant en vedette afro-Américain des personnages plus que doublé au cours des 10 dernières années, et le nombre doté d’Asiatiques a plus que triplé.

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/15/fewer-than-2-of-british-childrens-authors-are-people-of-colour

Leonardo da Vinci: les meilleurs livres des 500 dernières années

Jet 500 ans depuis Leonardo da Vinci est mort et presque aussi longtemps que le premier, et encore plus séduisante, la biographie de lui est apparu. Giorgio Vasari en 1550 livre de La Vie des Artistesest encore en cours d’impression et une bonne lecture. C’est plein de contes étranges, y compris le temps, la jeune artiste a fait un monstre de la les lézards, les chauves-souris et les insectes, et puis il peint sur un bouclier à terrifier son père. La manière dont Vasari dit-il, vous n’êtes pas sûr si c’était de l’art ou de la magie, il lit presque comme si le monstre est venu à la vie. Encore Vasari fabulism est filetée avec des pépites de personnes qui connaissent l’esprit universel. Ils se souvenaient de son amour des jeunes hommes aux cheveux longs et bouclés, la croyance dans les droits des animaux et les “hérétiques” l’absence de religion.

L’une des raisons Vasari mélange d’histoire et de conte de fées fonctionne encore, c’est que Leonardo et l’Italie de la Renaissance qui a produit lui sont presque trop exotique pour les chercheurs de dépeindre. C’est pourquoi le plus accessible de l’introduction de la Toscane prodige et son monde est peut-être par le biais de Sarah Dunant bien étudiée romans historiques. Dans le Nom de la Famille (Virago) est l’artiste impitoyable patron Cesare Borgia, le pape du fils qui a essayé de conquérir l’Italie. Nous rencontrons Leonardo de travail pour les Borgia comme ingénieur militaire – son fortifications être prêt à temps ou s’il va se laisser distraire par quelque autre invention?





A da Vinci study of muscle structure, now held in Milan’s Science and Technology Museum.



Un da Vinci étude de la structure du muscle, maintenant lieu à Milan, dans le musées de Sciences et Technologies. Photo: Alamy Stock Photo

De léonard de vinci à la double vie de l’artiste et le scientifique n’est pas un mythe. Ses carnets sont pleins d’étonnantes conceptions et obstiné des enquêtes. Depuis qu’ils ont commencé à être transcrits à partir de son miroir script dans le 19ème siècle, il est devenu possible pour quiconque de le tremper dans l’un de ces phénoménale carnet de voyage. Le moyen le plus commode de sélection, les Cahiers, est par Irma Richter, mise à jour par Thereza Puits (Oxford). À lire ses propres mots, l’interprétation des fossiles que les paysans mis lui-même ou en promettant de tester une machine volante “qui va remplir le monde avec sa grande renommée” est de se rapprocher de son immense curiosité et d’inventivité. Pour obtenir encore plus près, vous avez besoin de voir les notes dans leur contexte d’origine, à côté du merveilleux dessins à laquelle ils se rapportent. Leonardo da Vinci: l’Anatomiste par Martin Clayton et Ron Philo (Collection Royale), fait de ce élégamment possible par la mise en dessins de la Reine de la collection sans égale, à côté des analyses qui montrent comment en avance sur son temps qu’il était. Pas tous sa science est exacte et qu’il n’est même pas de la science telle que nous la connaissons – il croit en la théorie médiévale des quatre éléments et est décédé avant que Copernic a osé suggérer que nous en orbite du soleil – mais il avait un précoce de l’emprise de la méthode scientifique. L’ensemble des connaissances doit être testé à l’encontre de “l’expérience”, at-il insisté. Ses dessins anatomiques sont des chefs-d’œuvre d’observation, dans lequel il voit les détails aucun autre scientifique, ne remarque pendant des siècles.

Il n’est pas seulement un artiste et un scientifique. Il est une célébrité phénomène – un artiste qui est mort depuis cinq siècles encore détient le record pour le plus cher du monde de la peinture vendu aux enchères. Comment la complexité et la subtilité de l’homme réel obtenir à travers le bruit du marché de l’art mayhem, best-sellers et de la TÉLÉVISION travesties? Martin Kemp, un Léonard de vinci autorité, par le plaisir négocie la “folie” dans la Vie avec Leonardo (Thames & Hudson), d’un compte personnel de son implication dans certaines des plus grandes histoires – y compris celle de Salvator Mundi – qui est aussi un résumé de ses recherches sur Leonardo de l’esprit scientifique.

Jonathan Jones Sensations: L’Histoire de l’Art Britannique de Hogarth à Banksy est publié le 22 avril par Laurence King.

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/15/books-about-leonardo-da-vinci

Les émeutes de Stonewall à 50: histoires d’un gay révolution des droits

Til émeutes de Stonewall a commencé dans les premières heures du 28 juin 1969 lors d’un raid de la police au Stonewall Inn, à Greenwich Village, un lieu de prédilection des gais et lesbiennes de New-Yorkais. Comme les clients ont été transportés dans des menottes, de la foule à l’extérieur ont éclaté dans la fureur. Que d’une nuit d’émeutes a été suivie par les jours de nouvelles manifestations violentes dans le quartier. Il allait changer activisme LGBT pour toujours. Les émeutes de commutation de protestation jusqu’à la vitesse supérieure, et a poussé pour un repenti, inclusive, éclairé culture dans laquelle la gay pride voir la honte pour de bon.

Cinquante ans plus tard, les émeutes de Stonewall est l’un des plus importants au niveau mondial des repères dans la lutte pour les droits des homosexuels (les droits des homosexuels groupe de campagne dans le royaume-UNI est nommé d’après elle). En juin, le mouvement du 50e anniversaire sera célébré à New York avec un mois de la fête, des conférences et des lectures et “la plus grande Fierté de la célébration dans le monde”. Un élément clé de la fête sera la New York Public Library’exposition et son formidable livre d’accompagnement: l’Amour et de la Résistance, les émeutes de Stonewall à 50. Le livre est édité par Jason Baumann, coordonnatrice de la bibliothèque LGBT initiative, et présente des photographies de Kay Tobin Lahusen et Diana Davies, une archive qui Baumann décrit comme le “grand queer trésors de la bibliothèque Publique de New York”.





Diana Davies’s 1969 shot of the Stonewall Inn in Greenwich Village, site of the riots that would change LGBT activism for ever.



Diana Davies, 1969 coup de Stonewall Inn, dans le Greenwich Village, le site des émeutes qui allait changer activisme LGBT pour toujours. Photo: Diana Davies

C’est un livre sur le développement de la conscience politique et de sa dynamique de croissance dans la communauté gay. Il enregistre des pré – et post-Stonewall protestations, y compris un audacieux mars par les gays et les lesbiennes militants sur le Pentagone en 1965. En tant qu’écrivain, Roxane Gay précise, dans son introduction, c’était une punition époque: “La communauté LGBT a été marqué par le Maccarthysme et une pernicieuse atmosphère de persécution à travers le pays.” Stonewall a contesté cette atmosphère, et a conduit à la Ville de New York de la première gay pride parade commémorative Christopher marches de la Rue.

Le noir et blanc photo de Stonewall Inn, prise par la photographe Diana Davies (figure clé de la libération gay lui-même), raconte une histoire. L’image est dominée par son battues signe au néon, mais si vous regardez attentivement, vous pouvez repérer un avis, en blanc, capitales, à côté du bar de l’entrée. Vous pouvez le faire seulement une partie d’elle, mais ses mots ont compté dans l’histoire queer: “Nous les homosexuels plaider auprès de notre peuple à s’il vous plaît aider à maintenir la tranquillité et de conduite dans les rues du village.” L’appel d’offres pour la paix est la chose en mouvement – même les violents affrontements avec la police ont eu un paisible objectif.

Il est difficile d’imaginer ce que cela doit avoir été comme dans les années 60, quand l’homosexualité était non seulement illégale, mais, en tant que Gay, “toujours classé comme une maladie mentale par le Manuel Diagnostique et Statistique utilisé par les professionnels de la santé mentale”. Si vous étiez gay, il n’était pas sûr d’être vous-même.

En parlant sur le téléphone de Pennsylvanie, Lahusen, qui est né à Cincinnati, en Ohio, en 1930, dit de Stonewall: “Il n’est pas surprenant que, lorsque les services de police étaient des raids de nos bars gays, gay de gens disent: “Assez de cette. Nous avons un droit de se réunir et d’être servi des boissons dans les bars, comme tout autre citoyen.’ Ces enfants, qu’ils n’éclatent, ils sont allés après que la police et lorsque nous avons entendu, nous avons été ravis.”





The Gay Liberation Front marches in Times Square, 1969.



Le Gay Liberation Front marches dans Times Square, 1969. Photo: Diana Davies

En 1961, Lahusen, puis un bibliothécaire de recherche, a rejoint les Filles de Bilitis – la première lesbienne droits civils et politiques de l’organisation dans les états-unis. “Bilitis”, explique-t-elle, était soi-disant un de Sappho amoureux, l’invention de poète français Pierre Louÿs. Le nom était destiné à alerter les lesbiennes pour le club de l’identité gaie, mais c’était trop littéraire d’une attente – la plupart des femmes n’avaient aucune idée de qui Bilitis a été. Le groupe a commencé à petite échelle, la première réunion des “quatre femmes assises dans un salon, en disant: “Nous devons avoir une organisation.’”

Lahusen pris des photos pour son magazine, L’Échelle, et même si la circulation était minuscule, son gay sujets ont été prudents, en lui demandant de les photographier de profil, dans l’ombre et derrière les lunettes de soleil. Elle se souvient de la façon, avant les émeutes de Stonewall, les piquets de grève ont été “le calme, la dignité, la sobriété des événements. Quelqu’un a dit, nous avons regardé comme un tas de gens habillés pour l’église le dimanche. Nous avons eu un slogan: “Si vous voulez être à l’emploi, look aptes à l’emploi’.”

Les manifestants craignent d’être reconnu. Lahusen n’a jamais dit à ses parents qu’elle était gay: “Ils étaient dans l’Ohio et j’ai été dans l’est, un couple de mille kilomètres de là, et ils étaient plus vieux et j’ai senti que c’était quelque chose que je n’ai pas envie.”





The women of the Gay Liberation Front demonstrate in front of New York City’s Criminal Court building, 1970.



Les femmes du Gay Liberation Front de démontrer en face de la Ville de New York de la Cour Pénale bâtiment, 1970. Photo: Diana Davies

Mais après les émeutes de Stonewall, l’inquiétude a commencé à baisser et Lahusen photographies sont devenus plus ouverts à une intimité qui n’a pas de date. Cette intimité, comme Baumann raisons dans le livre, était important à l’époque, parce que les images ont montré lesbiennes menant une vie ordinaire.

Lahusen a rencontré son partenaire, Barbara Gittings – une grande présence dans le livre – à un pique-nique en 1961 (Gittings décédé en 2007). Elle se souvient de leur première rencontre, et Barbara parler, parler, parler et être ébloui par elle. “Elle était très sociable et avait toujours un livre dans sa main.”

De l’amour et de la Résistance a des photos de Gittings – un assis dans un jardin, à lire avec de la concentration, et avec une pipe dans sa bouche, l’autre – un chaste composant logiciel enfichable de sa tête furtivement autour d’un rideau de douche, ses cheveux épais recouvert de shampooing, son sourire, une lueur espiègle.





Barbara Gittings (left) and Isabel Miller kissing at a booth called ‘Hug a Homosexual’ at the 1971 American Library Association convention.



Barbara Gittings (à gauche) et Isabelle Miller baiser dans une cabine appelé “embrasser un Homosexuel” en 1971 American Library Association de la convention. Photo: Kay Tobin Lahusen

Comme Roxane Gay écrit: “Queer la culture se développe et a toujours prospéré parce que la résistance est aussi profondément ancrée dans qui nous sommes en tant que notre sexualité.”

Militante chevronnée Ellen Broidy, 73, un autre ancien bibliothécaire de recherche, conserve son éloquence pour protester et d’amuser. Broidy était à la tête de l’Étudiant “Homophile”, de la Ligue à l’université de new york, et à un moment demandé à figurer sur une télévision à panneau. Sachant que ses parents regarder le programme, elle a appelé sa mère et lui a dit: “je tiens à vous prendre pour le déjeuner.” Ils se sont rencontrés dans un restaurant: “j’ai enfin réussit à dire une combinaison de gay – lesbienne – “et elle regarda à travers la table et dit: “j’ai connu depuis que vous avez été trois”. Je l’ai dit, “Pourquoi n’avez-vous pas me le dire?” et elle a dit, ‘je ne pense pas que c’est de mes affaires et que vous pourriez trouver sur votre propre.’”

Sa mère prit son père dans la soirée pour échapper à la diffusion de la TV; mais le lendemain, lors d’un déjeuner d’affaires, un collègue lui a dit: “j’ai vu votre fille à la TÉLÉ la nuit dernière.”





Jamen Butler (left) and Tom Malim, 1971. The couple were supporters of the Gay and Lesbian Community Center of Philadelphia.



Jamen Butler (à gauche) et Tom Malim, 1971. Le couple a eu des partisans de la Communauté Gaie et Lesbienne du Centre de Philadelphie. Photo: Kay Tobin Lahusen

“Quand je suis arrivé à la maison,” Broidy se souvient: “ma mère a sonné. “La merde a frappé le ventilateur, dit-elle, et a raccroché.” Son père était furieux à sa mère de ne pas lui faire confiance. “Mais le matin de la Stonewall mars, il m’a écrit un beau poème et m’a téléphoné pour lui dire: “Vous devez écrire un avocat du nom et numéro de téléphone sur la paume de votre main.’”

Il y a une photo de Broidy en 1970, par Davies, marcher dans la Christopher Street Jour de la Libération de la célébration, le port d’un T-shirt qui lit, “Lavande menace”. Elle se promène avec deux femmes. Ils sont souriants, elle semble pensive. “Je regarde toujours pensif,” dit-elle. “Pour moi, le sourire est un événement majeur, mais ce n’est pas le reflet de mes sentiments…”, se souvient-Elle de l’excitation de la journée, puis explique comment “la Lavande Menace” a été inventé par la militante féministe Betty Friedan. “Elle a évoqué les lesbiennes dans l’émergence du mouvement des femmes comme un “lavande menace” qui aurait pour effet d’annuler tous les mouvements de mesures positives.”





The Christopher Street Liberation Day celebration, 1970, with Ellen Broidy, far left.



Le Christopher Street Jour de la Libération de la célébration, en 1970, avec Ellen Broidy, à l’extrême gauche. Photo: Diana Davies

Broidy se souvient de la façon dont, dans un plat vide à côté de sa propre, sur le Lower East Side de New York, où les baignoires étaient encore dans les cuisines, ils teignaient leurs T-shirts mauve et imprimés avec les mots Lavande Menace. “Le lendemain, après les T-shirts séchées, on les a mis sous nos vêtements réguliers et est allé à la Deuxième Conférence d’Unir les Femmes à Manhattan.” Ils n’avaient pas été invités, mais, Broidy motivé, “Si vous allez à unir les femmes, nous allons être parmi les femmes que vous allez à s’unir.”

Par un heureux hasard, l’un d’entre eux était en charge de l’éclairage lors de la conférence: “Donc, nous avons tous pris des places dans l’allée et elle a renversé le commutateur et de l’auditorium est allé l’obscurité. Environ 20 secondes plus tard, elle se renverse sur le dos et 20 d’entre nous se leva dans les allées et en face de l’auditorium dans notre Lavande Menace T-shirts. Nous avons enlevé la conférence. Les femmes avaient à s’engager dans le dialogue, à écouter les monologues et parfois de grandes tirades sur la place des lesbiennes dans le mouvement des femmes.”

Lahusen et Broidy rappelez-vous la réaction des gens à leur activisme: “Parfois, les gens nous ont rejoint depuis les trottoirs,” Broidy rappelle. Pendant les marches de la Maison Blanche et le Pentagone, et l’Independence Hall de Philadelphie, Lahusen notais des réponses différentes: “Un homme est venu avec ses cinq enfants et a dit: “Tenez votre nez, c’est sale ici.’ Une femme a dit, ” je ne suis pas gay, mais j’admire ce que vous faites.’ Un gay manifestant a dit: “je n’aime pas le piquet de grève, mais nous avons, nous avons juste à…” une Autre personne homosexuelle a dit: ‘Un poids a chuté hors de mon âme.” Et dans une épicerie, une femme est venue jusqu’à Barbara et lui dit: “N’ai-je pas vous voir à la télévision hier? Vous m’avez fait comprendre que les gens aiment les uns les autres juste par la façon dont mon mari et moi.’”

Ni femme choisit de s’attarder sur les défis à venir pour la communauté gay dans le NOUS posés par Atout. En outre, Broidy observe, “Trump est moins effrayant que Mike Pence. Pence est un vrai croyant. Trump croit en rien.”





On the march in Albany, 1971.



Sur le mois de mars à Albany, 1971. Photo: Diana Davies

Après avoir reconnu que les temps ont changé pour le mieux, Lahusen, dit-il, sont toujours les parents qui pensent que leur gay les enfants sont émotionnellement malade, et renegade psychiatres en Amérique qui s’accrochent à la vieille idée que l’homosexualité est une maladie mentale”.

Lahusen jamais swanks sur ses réalisations, mais les volontaires qu’elle était “tellement heureux” de pouvoir “de l’espoir à la chronique d’un mouvement”. Elle voulait que les gens réalisent “nous étions juste des gens, comme les autres, une partie de la population Américaine”.

L’amour et de la Résistance est publié par WW Norton (£17.99). Pour commander un exemplaire, aller à guardianbookshop.com ou appelez 0330 333 6846. Free UK p&p de plus de £15, les commandes en ligne seulement. Les commandes par téléphone min p&p £1.99

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/06/stonewall-at-50-gay-rights-revolution

“C’est une religion”: comment le monde est devenu fou pour les Moomins

Jet est -15C et de la neige à l’extérieur, mais inhabituellement calmes et accueillants, à l’intérieur d’un grand bâtiment à l’angle de la Place du Sénat à Helsinki où un aperçu prenant la place de la très attendue TV animation Moominvalley. Le plus cher de son genre dans l’histoire de la télévision finlandaise, la série est la création de réalisateur oscarisé Steve Box (Wallace et Gromit) et producteur exécutif Marika Makaroff, de la société derrière Le Pont (spoiler: il est beaucoup plus ensoleillé dans Moominvalley).

Ce soir personne n’est laissé le moindre doute quant à la place centrale de Tove Jansson est Moomins dans la culture finlandaise en tant que vice-président, s’accrochant à deux Moomin tasses, dit à l’audience qu’ils sont de la Finlande “joyaux de la couronne”. “Moomins est une religion”, s’engage le scénariste Mark Huckerby, quand nous nous rencontrons, avec son long terme de l’écriture partenaire Nick Ostler – le lendemain soir dans un bar avec les nations unies, Moominish nom de la Liberté ou la Mort. Le primé duo ont déjà pris sur Pierre Lapin, Thunderbirds et Danger de la Souris, mais rien ne les a préparés à la lourde tâche de ramener le Jansson beaucoup aimé le troll de la famille à la vie. “Moomins est donc la tête et les épaules au-dessus de tout les autres.” dit Ostler. “C’est terrifiant.” Il était facile d’obtenir des acteurs tels que Kate Winslet à bord, dit-il, à cause de leur passion commune pour la philosophique hippo créatures. Rosamund Pike a été exercé à l’encontre de glace Bond/Gone Girl type que le cosy cocasse de la matriarche et, dans inspiré de la coulée, will Self est la voix de l’curmudgeonly philosophe rat musqué.

Depuis Jansson est mort en 2001, il y a eu un regain d’intérêt pour son travail, y compris les rééditions des Moomin livres avec leurs illustrations originales et de la publication de son moins connus de la fiction pour les adultes, aboutissant à des expositions et une biographie en 2014 pour marquer le centenaire de sa naissance. Littéraire fidèles comprennent Ali Smith, Sheila Heti et Jeanette Winterson; Terry Pratchett appelé Jansson “l’un des plus grands des enfants, les écrivains n’a jamais été”, et de Philip Pullman, estime qu’elle doit avoir été récompensé par le prix Nobel de littérature. Les enfants de l’auteur Frank Cottrell-Boyce, il résume: “j’ai vécu sur cette grande cité hlm de la banlieue de Liverpool, à partir d’un travail de fond de classe, et en quelque sorte de cette bohème, la classe moyenne supérieure finlandais lesbiennes excentrique se sentait comme si elle parlait directement à moi.”

Mais si Jansson parle à la génération de Peppa Pig (à certains égards, une beaucoup plus simple de porc descendance) est une autre question. Comme beaucoup de personnages populaires – Paddington, Winnie l’Ourson, Miffy – les Moomins sont peut-être plus souvent trouvé sur un mug ou une serviette de thé qu’entre les couvertures d’un livre. Et, à en juger par l’année dernière concepteur de Moomin cachemire et cavaliers de la nouvelle collection printemps de Uniqlo (les Moomins sont énorme au Japon), Jansson personnages ne montrent aucun signe de passer de mode. Il est à espérer que le tout-en-chanter tous‑dancing de l’adaptation – mettant en vedette des artistes comme Alma, Trousse de Premiers soins et de MØ sur la bande son et 3D CGI – va attirer un nouveau public quand il se lance en cette fête de Pâques. Étonnamment, un sur quatre en Finlande regardé le premier épisode, Peu de Mon déménagement, quand il a été diffusé plus tôt cette année.

Comme beaucoup de Britanniques qui ont grandi dans les années 80, Huckerby et Ostler étaient seulement familier avec les Moomins du culte de la bande dessinée. “Alors cette énorme boîte est arrivé de la Finlande”, rappelle Huckerby. “Il y avait les romans, ainsi que les bandes dessinées, plus Tove biographie, plus court d’histoires et d’autres choses qu’elle avait écrit.” Bref, Ostler explique, était de “créer une authentique adaptation de la période de neuf romans”, même s’ils étaient assez détendu au sujet de “prendre des morceaux de différentes histoires” ainsi que la bande dessinée de bande et de mélanger les choses. “Jansson raconté quelques-unes des histoires différentes formes au fil des ans, ce qui est très utile si vous êtes l’adaptation de quelque chose, car il vous fait vous sentir mieux à propos des changements que vous avez à faire.”

Regarder la bande-annonce officielle de la nouvelle série Moomin

La nuit de la Groke, l’épisode, nous avons vu à que premiere, a tous les éléments d’un classique Moomintale sans être fidèle à une histoire. Moominpappa propose d’aller sur un de son esprit libre voyages de camping, et Moominmamma gaiement approuve: “Votre père a décidé de mener une vie d’abandon sauvage … encore une fois! Mais ne vous inquiétez pas, je suis sûr que nous serons de retour le lendemain matin.” Elle emballe ses préférées oreillers, juste au cas où. Moomintroll, “comme à son habitude brave petit soi”, surmonte ses angoisses à être laissé seul, en confrontant l’infâme Groke, une mystérieuse ombre grise qui bloque tout dans son sillage. Il est devenu une représentation de nos propres peurs, “une sorte de marche manifestation de Scandinaves gloom”, selon le romancier Américain et les enfants de la fiction expert Alison Lurie. “C’est quelque chose que les gens n’oubliez pas de leur enfance,” Huckerby dit. “Des amis de toujours dire: “faites-vous le Groke? Que l’on m’a donné des cauchemars quand j’étais gamin.’” Mais même ici, l’empathie est étendu: “je suppose qu’elle est simplement à la recherche d’un peu de chaleur dans sa vie”, Moomintroll muses. Et chaque épisode de 22 minutes est l’éclatement de Moomin sagesse comme: “La seule chose que vous avez vraiment besoin d’avoir peur est la peur elle-même.”

Il est frappant de constater combien la peur des ombres les romans: pour le soleil et pique-niques, la menace rôde derrière chaque buisson: comme un patineur sur la glace, Jansson est toujours conscient du trouble à l’obscurité, à seulement quelques pouces au-dessous. De son succès Jansson a écrit: “les Rêveries, les monstres et toutes les horribles symboles de l’inconscient qui stimulent moi … je me demande si la crèche et de la chambre des horreurs sont aussi éloignés que les gens pensent.” Comme Huckerby observe, les romans “aller à des endroits sombres” et qu’ils ont essayé d’en tenir compte dans leur adaptation. “Il est facturé en prime time du drame pour toute la famille,” Ostler dit. “Ce n’est pas un mini-spectacle.”

Les Moomins et la Grande Inondation, dans le premier roman de la série, commence avec Moominmamma et Moomintroll la recherche d’un endroit pour vivre après qu’ils ont été forcés de quitter leur maison derrière le poêle en raison de l’avènement de chauffage central (le progrès!). Ils sont également à la recherche pour les pauvres Moominpappa, craint noyé. Le lendemain, la Comète dans Moominland, raconte comment la famille a l’abri de ce qui la menace rien de moins que la fin de leur monde. Dans les deux livres, nous rencontrons d’y chercher de la “petite, pâle créatures”, le Hattifatteners, condamné à errer de lieu en lieu, et “des foules de fuir les créatures”.





Moomin, with Thingumy and Bob



Moomin, avec Thingumy et Bob, censés représenter Jansson et son amant Vivica Bandler. Photographie: © Moomin Caractères ™

Initialement publié en 1945 et 46, mais commencé en 1939, ces deux premiers livres ont été Jansson une tentative d’échapper à la terreur de la seconde guerre mondiale: “Ma première fin heureuse!”, comme elle l’écrit dans son introduction à La Moomins et la Grande Inondation. Bien que ces existentielle dangers peuvent être interprétés dans le contexte de la 1939-40 de la guerre d’hiver – les bombardiers Soviétiques au cours d’Helsinki et de la menace de l’invasion – ils résonnent trop fortement avec les conflits actuels, la situation des réfugiés et, avec un étrange pressentiment, la crise écologique actuelle. “- Oh, chéri, oh, la belle mer tout à fait disparu … Pas de grandes tempêtes, pas de glace transparente et non brillant de l’eau reflétant les étoiles. Fini, perdu, disparu!’”

Mais c’était Jansson “thèmes universels” sur la croissance et la vie domestique qui a vraiment attiré les scénaristes. “Elle a fait très drôle de livres sur la famille. Il y a très reconnaissable types, que tout le monde peut porter facilement”, explique Ostler. Identifié seulement par ceux qui sont les plus spécifiques au genre d’accessoires, chapeau et sac à main, Moominpappa et Moominmamma peut sembler à se conformer aux stéréotypes sexistes (il y avait un peu de jeu dans les années 70). Cependant, comme avec tant d’autres, Jansson est joyeusement subversive: Mamma pourrait porter le pinny, mais elle est très bien en charge, de façon salutaire décision Moominvalley de son sac à main (plus de Mary Poppins, que Margaret Thatcher), en tirant sur tout, des chaussettes sèches ventre en poudre – vous ne savez jamais quand vous pourriez avoir besoin d’un œuf au fouet tout en Moominpappa est toujours désactivé sur l’un de ses aventures ou en profondeur dans ses mémoires. (Le maladroit, bumptious père et avec désinvolture, compétente mère sera reconnaissable à quiconque est familier avec Peppa le Papa de Porc et Maman Cochon, avec leur marque, les specs, et en se trémoussant sur les cils.)

Mamma et la Pappa étaient clairement basés sur Jansson ses propres parents, sculpteur Viktor Jansson (“L’Artiste”) et de sa mère bien-aimée Signe Hammarsten-Jansson (“Jambon”), illustrateur; résolument libéral bohémiens, qui semblait heureux de se conformer à des rôles traditionnels – bien que c’était sa mère qui, en fait, mettre de la nourriture sur la table. Comme avec la Moominhouse, leurs portes sont toujours ouvertes à une succession de coloré les visiteurs.

Conçu à l’origine par son oncle comme un air menaçant épouvantail pour effrayer les enfants de voler de la confiture dans le garde-manger, Moomin a été esquissée par Jansson sur les murs de toilettes, “le plus laid créature imaginables”, dans une querelle avec son frère sur le philosophe Kant (la sienne n’était pas typique de l’éducation – ils ont eu un animal de singe, pour commencer). Il semble avoir fait ses premières apparitions publiques aux côtés de Hitler (de tous les mariages inattendus) en temps de guerre, des bandes dessinées pour le magazine satirique Garm, pour qui Jansson a travaillé pendant 24 ans. “Ce que j’ai aimé le plus était bestiale à Hitler et Staline”, écrit-elle. Avec plus de nez et en colère, l’éblouissement, l’origine Moomins sont tout à fait méchant créatures que l’snouty smiley (un exploit vu qu’ils n’ont pas la bouche), le fondant de la glace chiffres, réputés pour leur douceur, la générosité et de la bonne humeur, dans lequel ils ont évolué.

Finn Famille Moomintroll, la troisième évasion livre et toujours le plus populaire, publié en 1948, est l’un des plus lumineux de l’affaire. C’est ici que nous rencontrons la inséparables Thingumy et Bob, portant autour d’une valise contenant un secret ruby, “la plus belle chose au monde”, censés représenter Jansson et son amant du moment, réalisateur de théâtre Vivica Bandler. (L’homosexualité était illégale en Finlande jusqu’en 1971).





Life chapters … Tove Jansson drew on her experiences of love and loss.



La vie de chapitres … Tove Jansson a attiré sur son expérience de l’amour et de la perte. Photo: Per Olov Jansson

Mais il n’est pas jusqu’à ce que le sixième livre, Moominland milieu de l’Hiver (1957), avec qui la première saison de la série TV se termine, que l’on rencontre joyeuse Trop-Ticky. Avec un talent pour la lecture de la météo et de calmer les craintes, elle a été inspirée par Tuulikki Pietilä (Tooti), l’amour de Jansson la vie. Le couple serait de passer chaque été sur une île au large de l’finlandais de la côte, sans électricité et accessible uniquement par bateau à rames (il y a de glorieux photos de Jansson piscine avec des guirlandes de fleurs dans les cheveux). Pauvres Moomintroll se réveille trop tôt de l’examen annuel de Moomin hibernation, mais ne peut pas se réveiller tout de sa famille et l’hiver est arrivé: “Il est mort. Tout le monde est mort pendant que je dormais. Ce monde appartient à quelqu’un d’autre que je ne connais pas.” Pour Jansson, c’était son livre sur “ce que c’est que quand les choses deviennent difficiles”. “C’est un vrai coming-of-age histoire”, a dit Huckerby. “Il est vraiment sur lui de devenir indépendant de sa famille,” Ostler continue. “Elle l’a écrit, au moment où elle devenait de plus en plus indépendante de sa propre famille parce qu’elle avait rencontré Tuulikki.”

Les deux derniers livres de tourner à plus de mélancolie, reflétant Jansson l’assombrissement de l’état d’esprit. Dans Moominpappa en Mer (1965), Moominpappa a une crise de la quarantaine et décide de déménager la famille à distance à un phare. Huckerby estime qu’il est “probablement le meilleur livre écrit sur la dépression qu’il a été”, et, tous deux auteurs d’accord“, son chef-d’œuvre”. Il a également été celui qui a confondu entre eux pour commencer, et maintenant, après avoir lu quelques 15 ou 16 fois, ils sont encore à la découverte de nouvelles choses à ce sujet. “La rédaction vous frustre,” Huckerby dit, “parce que vous continuez à aller en arrière, il continue à faire les mêmes erreurs, et vous vous rendez compte que c’est une sorte de cycle de dépression et que vous ne pouvez pas en sortir. C’est un profond travail.”

“C’est aussi très drôle,” Ostler ajoute. “C’est comme un terrible Britannique de vacances où il pleut tout le temps: vous êtes en essayant d’être gai, mais c’est terrible.” Quelques artistes de faire la pluie comme Jansson – elle a été influencé par Van Gogh, après tout – et, comme Ostler points, il y a un merveilleux dessin de la famille, pique-nique sur une petite plage: “Il est des bâches en bas, sur cette période sombre, sombre de l’île. Il y a quelque chose de très noires de bande dessinée.”

La série TV nous emmène jusqu’à la finale roman Moominvalley en novembre (1970), le plus triste de tous, écrit juste après la mort de Jansson-mère. “C’est un livre sur la mort, vraiment,” Huckerby dit. “Et à propos de la perte des Moomins. Ils ne sont même pas dans ce que les personnages principaux. C’est un livre dans lequel tout le monde est en attente pour eux de revenir.”

C’est ce étrangement réconfortant combinaison de catastrophe et au quotidien le confort qui rend les Moomins si charmante et durable. Le Moomin livres sont des histoires de survie: pas de problème, c’est si grande qu’il ne peut pas être améliorée par une tasse de café et un câlin. Comme l’apocalypse métiers à tisser Moominmamma est occupé à organiser des coquilles autour de ses parterres de fleurs, tandis que les gâteaux cuisent dans le four: “Elle ne sait plus quoi faire,” dit Moomintroll. Donc, beaucoup de littérature sur l’évasion de la famille, mais ici, il est toujours le point de retour, un lieu de sécurité: “Vous devez aller sur un long voyage avant de vous pouvez découvrir vraiment comment magnifique maison est,” Moomintroll reflète.

Cet acte d’amour, produit abondamment de l’adaptation ne pouvais pas être plus opportun: il n’y a jamais eu de meilleur moment pour introduire les Moomins, avec tous leur optimisme, d’ouverture et d’hospitalité, leur lien profond avec la nature et anti-consumériste ethos (sans jamais être pompeux – à l’exception, peut-être, de Moominpappa), à un nouveau public, et j’espère que le lectorat. Comme Ostler dit, “Ils vont à travers tout les inondations et les tremblements de terre et éruptions volcaniques, les comètes. Tout se passe, mais ils genre de visage avec un sourire.”

Moominvalley est lancé sur Sky 1 Ciel et les Enfants le 19 avril.

https://www.theguardian.com/books/2019/apr/06/it-is-a-religion-how-the-world-went-mad-for-moomins