Le Photographe à l’âge de Seize par George Szirtes examen – un brillant, scrupuleux portrait

George Szirtes mère Magda avait une forte volonté et une faiblesse cardiaque. La faiblesse remonte à l’enfance, quand elle avait de la fièvre rhumatismale, de gauche et de son risque d’une mort précoce. La force est sorti dans les plans qu’elle a fait pour son mari László de se remarier après, elle avait disparu. Elle a choisi une femme pour lui et attendre de lui de s’y conformer. László joué le jeu, mais seulement pour garder son heureux. Le mariage n’a pas lieu. Ni Magda mourir d’une faiblesse cardiaque.

L’ambulance était en attente à la jonction. Elle avait pris un surdosage et le temps était court. Le conducteur de la pensée qu’il a vu un écart, déplacé vers l’avant, puis arrêté parce que l’écart n’était pas assez grand. La voiture derrière, couru dans l’arrière de l’ambulance. L’ambulance a été endommagé. Les chauffeurs en est sorti et ma mère est morte.

Comme Tim Lott dans son 1996 classique Le Parfum des Roses Séchées, Jeremy Gavron dans son récent d’Une Femme sur le Bord de l’Heure et Thom Gunn dans son poème “Le Gaz de Poker”, George Szirtes a pris de nombreuses années à écrire sur sa mère, sur le suicide de plus de quatre décennies, en fait, depuis qu’elle est morte à l’âge de 51. Dans l’intervalle, il a publié des poèmes sur elle, et il cite à partir d’ici, quand il ne peut pas mieux dire que ce qu’il fait là. Mais la prose lui permet d’aller plus loin et plus profond – pas à découvrir pourquoi elle a tué elle-même, mais pour récupérer un passé dont il connaissait peu, jusqu’après sa mort.

Le livre prend la forme d’un passage dans Anthony Hecht long poème “Les Vêpres Vénitiennes”, qui imagine une vie à reculons, comme une remontée du film; Martin Amis du roman le Temps de la Flèche utilise le même dispositif narratif. Finition avec une photo de sa mère âgée de deux ans, Szirtes rouleaux de retour à son enfance en Roumanie, dans une ville appelée Cluj ou de Kolozsvár, aussi connu comme Klausenberg. La sortie de l’école à 14 ans, elle est devenue un photographe, en assurant un apprentissage à Budapest. C’est là qu’elle a rencontré László, dont la sœur Lili aussi travaillé dans un studio de photographie. C’était un moment dangereux d’être Juif; en juin 1944, de 435 000 Juifs de la ville avaient été expulsés, à Auschwitz. László avait quitté pour l’Ukraine, pour sa propre sécurité, pour travailler dans un camp de travail. Magda a vécu avec sa famille, sous le radar, jusqu’à ce qu’elle rentrait d’une journée de travail, n’a pas trouvé un seul dans l’appartement, et a été arrêté.

Elle a été envoyée à Ravensbrück – comme un prisonnier politique, plus tard, elle dira à son fils (à qui elle a refusé d’être Juif). Étant donné les horreurs du camp, il se demande ce qui pourrait avoir été fait pour elle, et ce qu’elle pourrait avoir à faire pour survivre. Pour le reste de sa vie, elle détestait être vu nu, même par son mari. Mais elle a également parlé effrontément sur le sexe, en se référant à ses poils pubiens comme Acker Bilk, après la barbe du joueur de jazz. A un mélange de timidité et de l’impudeur essentielle à sa nature? Ou il ya des dégradations dans Ravensbrück qui l’expliquent? Il ne sait pas et ne veut pas laisser son imagination y aller.





Magda with her husband, László.



Magda avec son mari, László. Photo: avec l’aimable autorisation de George Szirtes

Après une couple de mois, elle a été transférée à un plus petit, toutes les femmes du camp appelé Penig. Lorsque les forces américaines ont libéré en avril 1945, seuls les 80 femmes dans l’infirmerie ont été laissés derrière, Magda parmi eux; elle pesait six pierre. Dans un mois, elle avait récupéré et a été courtisé par un GI Américain nommé George. Il voulait qu’elle aille à la NOUS avec lui. Mais sa priorité était de trouver comment sa famille étaient tous étaient morts). En outre, elle a été engagé pour László.

Mariés, ils ont ramassé les morceaux à Budapest, avec László passant d’un emploi en tant que plombier compagnon à un haut rang officiel du ministère; Magda inquiet, il était au-dessus de lui-même et de suivre la ligne du Parti. En 1948, George est né, en prenant son nom de la repousse de GI; son frère André a suivi. La vie était bonne, comme Magda photos de sa richement vêtus enfants illustrer. Mais les purges, les exécutions et l’insurrection ont été à la hausse et, en 1956, les chars russes. Lorsque les combats ont atteint la rue où l’Szirtes famille a vécu, et une balle a ricoché sur le jouet montre que George portait, il était temps d’y aller. Ils ont quitté dans la précipitation, l’exploitation de László position pour obtenir au-dessus de la frontière de l’Autriche à la nuit, moins la totalité de leurs biens – une évasion si dramatique que ça pourrait faire un roman en lui-même.

Szirtes n’a pas de lait le drame. Il est aussi de raconter comment ses parents se sont établis en Angleterre (chute de leur plan pour aller à l’Australie lors de Magda a échoué son examen médical) comme il l’est dans ses rapports de première main, de huit ans son expérience de la révolution hongroise; comme il s’était engagé à rappeler les Plan G de meubles dans leur banlieue de Londres maisons comme il est à la description de Ravensbrück. Et l’écriture est toujours scrupuleux, s’inquiétant de suite à quel point vous pouvez savoir à quoi que ce soit, encore moins une mère qui était comme un paradoxe: vive encore fragile; sociable mais très secret; généreux encore paranoid; un photographe professionnel dont les meilleures photos ont été de ses enfants; un survivant de l’Holocauste qui, plus tard, a choisi le suicide; une femme qui a effacé en elle-même une bande d’elle-même à chanter “Happy Birthday” à son mari et ses enfants, afin qu’ils n’avaient jamais l’oublier.

La connaissance est en partie l’invention, Szirtes dit, la mémoire est la plupart du temps à l’invention, et “la connaissance de l’autre est de l’invention dans le plus haut degré … je ne l’ignorez pas, mais la personne au cœur de tout cela doit encore être construit et compris dans les conditions de l’invention. Le truc, c’est inventer la vérité.” Il peut être un truc, mais c’est celui qu’il réussit avec brio dans cet irrésistible mémoire.

Le Photographe à l’âge de Seize est publié par MacLehose de Presse (£14.99). Pour commander un exemplaire, aller à guardianbookshop.com. Free UK p&p sur toutes les commandes de plus de £15.

https://www.theguardian.com/books/2019/mar/16/the-photographer-at-sixteen-by-george-szirtes-review

Robert Crumb: “je ne suis plus l’esclave d’une rage de libido’

Robert Crumb a toujours été connu comme le mauvais garçon de la bande dessinée mondiale. Il a rempli des carnets de croquis avec graveleuses dessins de femmes, fait des remarques offensantes et parvient toujours à se montrer au dessus de New York galerie d’art avec les fans en attente pour une dédicace.

Impression: l’Esprit Baise, Kultur Klashes, Pulp Fiction & Pulpe de Fait par l’Illustre R Mie est sa dernière exposition, qui se déroule jusqu’au 19 avril chez David Zwirner gallery à New York. En présentant de vieux livres de bandes dessinées, des années 1960 aux carnets de croquis, d’un dessin animé à propos de Donald Trump, et un portrait de Stormy Daniels, il retrace Miette du chemin pervers en chef – qui marque la fin d’une époque.

Parce que Crumb a arrêté de dessiner les femmes.

Philadelphie-né de l’artiste a été une figure clé du mouvement de contre-culture à San Francisco au cours de la révolution sexuelle et a maintenant décidé d’arrêter de présenter la forme féminine. C’était peut-être le résultat de la #MeToo mouvement?

“Je ne regarde même pas les femmes plus”, a déclaré Miette à New York. “J’essaie de ne pas y penser, femmes plus. Il est utile que je suis maintenant âgé de 75 ans, et je ne suis plus l’esclave d’une rage de la libido.”

C’est une différence marquée, à partir du moment où son travail a été caractérisé par une épaisse alaska pin-up des femmes et même dans sa 2016 de la série l’Art Et de la Beauté, il a présenté un miroir de salle de bain selfie d’un 21-year-old modèle qui a volontairement envoyé lui nus.

“Quand j’étais jeune, j’étais obsédé par le désir sexuel, à fantasmer sur le sexe, la masturbation, à essayer de comprendre comment obtenir prévue. C’était horrible”, a déclaré Miette. “Heureusement pour moi, j’ai trouvé une façon d’exprimer intérieure de la turbulence dans mes bandes dessinées, sinon, je pourrais l’ai retrouvé en prison ou dans un établissement psychiatrique. Aucune exagération. Je suis mieux maintenant. J’ai travaillé tout en quelque sorte. Le succès et l’amour de vraies femmes m’a beaucoup aidé. Aline a vraiment sauvé ma lamentable cul.”

Il fait référence à Aline Kominsky-Crumb, sa femme de 41 ans, un dessinateur dans son propre droit et collaborateur. Mais tout n’a pas changé depuis l’Été de l’Amour. Tout en soulignant l’jolis portraits de sa femme, Miette révèle ses autres amants, trop.

“Il y a beaucoup de dessins dans ce spectacle des autres femmes, j’ai participé intimement, à la fois avant et pendant ma relation avec Aline,” dit Miette. “Nous avons une sorte de ” mariage ouvert’, bohème des artistes et des libertins que nous sommes.”





Spread from R. Crumb, Sketchbook, 1971



La propagation de la R Mie, Carnet de croquis, 1971. Photo: Kerry McFate/Courtesy de l’artiste, Paul Morris et David Zwirner

Cette exposition, organisée par Robert Storr, se concentre sur la Mie de carnets de croquis à partir des années 1970. Il y a des dessins acrobatiques femmes avec Kardashian de la taille à l’arrière se termine, miteux hommes d’affaires souriant derrière les cigares et une esquisse d’un lapin homme gifler une femme à travers le visage. Un autre a une femme avec les mots “Objet sexuel” flottant au-dessus de sa tête. Lorsque l’on a demandé d’élaborer, de Mie ne me souviens pas de dessin.

“Je suis sûr que je doit utilisé le terme ironiquement, une sorte d’auto-accusation,” il médite. “Oui, je suis coupable de regarder les femmes comme des “objets sexuels”, je l’ai fait des milliers de fois au cours de ma vie. Je ne pouvais pas l’aider. La vue d’une femme avec un gros cul et les jambes fortes instantanément électrifiés moi. Ce n’était pas quelque chose que je pouvais m’empêcher de sentir. Je ne pouvais m’empêcher d’agir sur elle, et c’est là que Freud Civilisations et de ses Mécontentements.”

Miette superwoman-esque dessins n’étaient pas toujours pour but de responsabiliser. “Quand j’étais jeune, j’avais beaucoup de colère envers les femmes, ainsi qu’envers les hommes et envers la société humaine en général”, dit-il. “Je ventilé mes sentiments dans mon travail, dans mes bandes dessinées. J’ai été assez fous pour ne pas réfléchir aux conséquences de trop.”

Mais les choses ont changé quand Miette reçu des critiques. “Je suis devenu plus conscient de soi et inhibée,” dit-il. “Enfin, il est devenu presque impossible de tirer de tout ce qui pourrait être choquant pour quelqu’un là-bas, et c’est là où j’en suis aujourd’hui.”

Mais il y a une vie après les carnets de croquis, de Mie. “Alors oui, je ne dessine plus beaucoup,” dit-il. “C’est tout droit. Beaucoup d’encre a coulé sous le pont. C’est assez”.

Pendant des décennies, Miette réalisé un carnet de croquis avec lui partout où il allait, quelque chose qu’il a appris de Leonardo da Vinci. C’était les années 1970, à une époque où il a attiré l’religieusement.

“J’ai dessiné à partir de la vie, à partir de photos et de mon imagination”, a déclaré Miette. “J’ai aussi utilisé comme des journaux intimes, de remplir de nombreuses pages avec du texte, de longues randonnées réflexions sur soi. J’ai été socialement éloignés, et a eu beaucoup de temps sur mes mains.”





Stormy Daniels by Robert Crumb



Stormy Daniels par Robert Crumb. Photo: Kerry McFate/David Zwirner Gallery

Aux côtés de la carnets de croquis sur la vue, l’exposition propose de Mie Zap de couvertures de magazines, sa célèbre M. Naturelle, qui a été critique de l’underground comix mouvement des années 1960. Il y a aussi son Dégoût de Soi, des bandes dessinées à partir des années 1990, des dessins d’Artie Shaw, une bande basée sur Philip K Dick et un rejet du New Yorker couvrir d’un drôle de couple à partir de 2009.

Miette de la bande dessinée a souvent été une critique de la société moderne, avec des vagues de nihilisme, de sarcasme et de la désillusion, pour ne pas mentionner la drogue des hallucinations et de la bataille en cours entre 9-5ers et les bohémiens, dont beaucoup ont été le cœur de sa lectorat dans les années 1960 et 1970.

Certains l’ont appelé, Miette du comics un commentaire sur l’ état Américain, mais ils sont aussi un aperçu de son attitude personnelle. Son carnet de croquis sujets variait entre amis à des copines, des inconnus dans des lieux publics et des personnes sur la base de photos de magazines. “Parfois, juste des types,” dit-il. “Dans ma tête.”

Il y a également des problèmes de HUP, un auto-proclamé “bande dessinée moderne pour les gars”, y compris un numéro à partir de 1989, où il bouffées de chaleur Atout dans les toilettes après la lecture d’Atout livre, l’Art de la transaction, qui Miette trouvé offensive.

“Mon avis de Donald Trump a un peu changé depuis, je n’ai que la bande à propos de lui en 1989,” a dit Miette. “A l’époque, je pense que je lui ai donné un peu trop de crédit pour posséder un peu de classe et de sophistication. J’ai maintenant une basse opinion de lui que je ne le puis. Maintenant, je perçois un certain faible, brutal de la qualité dans son caractère, un gars qui peut dire avec totalement un visage impassible: “Où est mon putain’ de l’argent? Je veux que mon fuckin’ argent!’ C’est une citation de Bob Woodward, le livre de la Peur.”

Quand on lui demande si il se sent incompris, il a dit que si le public pense qu’il croit tout ce qu’il dessine.

“Je ne me sens de “mal compris” quand les gens réagissent à mon travail comme si j’étais en préconisant les choses que j’ai dessiné; le fou, le sexe violent images, les images racistes,” dit-il. “Je pense qu’ils ne sont pas à l’obtenir. Je n’ai pas dessiner ces images avec l’intention de blesser quelqu’un ou d’injurier quiconque, à l’exception des très rares fois où j’ai fait des bandes moquer de certaines personnes, comme Donald Trump.”

Miette suggère que c’est au public de décider. “Je suis juste un fou de l’artiste. Je ne peux pas être tenu de rendre compte de ce que je dessine,” dit-il. “Personnellement, je ne pense pas qu’ils avaient une mauvaise influence sur les gens. Je ne pense pas que cela fonctionne de cette manière. Arnaquer des gens, tromper les gens, c’est ce qui est nocif pour eux.”

https://www.theguardian.com/books/2019/mar/07/robert-crumb-i-am-no-longer-a-slave-to-a-raging-libido

Dans la Pleine Lumière du Soleil par Claire Clark examen – l’art et le scandale

Vfavoriser van Gogh s’est transformé d’un revolver sur lui-même , le 27 juillet 1890, mais apparemment, pas même la mort pourrait mettre fin à sa sortie. Comme de plus en plus d’œuvres d’authenticité douteuse a commencé à s’infiltrer dans le marché, l’allemand satirique et critique d’Alfred Kerr a écrit: “Les morts-Vincent-garde de la peinture et de la peinture.”

Kerr a été de répondre à un scandale qui a secoué le monde de l’art allemand en 1932, quand un jeune marchand d’art nommé Otto Wacker a été condamné à 19 mois de prison pour vente de faux Van Goghs. Une autorité de premier plan a déclaré 33 de la Wacker peintures de contrefaçon; puis effrontément changé son témoignage à la barre des témoins, apparemment sous la pression de collectionneurs et d’autres parties intéressées. Le plus célèbre de la Wacker hoard, un auto-portrait acheté par le collectionneur Américain Chester Dale, n’a été exposée comme un faux en 1984 – trois ans avant que les Japonais Yasuda Compagnie d’Assurance a payé le record de la somme de $39.9 m pour une version non signée de Tournesols , qui a été immédiatement remis en question, et enfin authentifiés en 2002.

La question de Van Gogh attribution est, en d’autres termes, un peut de vers sur qui savantes de la réputation et de l’immense fortune de continuer à être en jeu. En prenant le Wacker affaire comme son inspiration, Clare Clark sixième ouvrage de fiction historique, aussi convaincante qu’elle est expansive, pratiquement écrit sa propre publicité. “L’histoire était irrésistible, affirme-t-elle dans son fictionalised compte de l’essai. “Enivrant cocktail de l’argent, la célébrité, les chicanes, de l’humiliation et de l’homosexuel de l’intrigue.”

Ensemble contre la louche, rien de va atmosphère des années 1920, à Berlin, le roman entre dans le raréfié orbite de la socialite historien de l’art et fin connaisseur de Jules Kohler-Schultz, évidemment basée sur le réel Berlin critique Jules Meir-Graefe, dont la populaire si un peu spéculatif biographie de Van Gogh a affirmé que “le génie et la folie sont bien connus pour être des voisins d’à côté”. Le livre s’ouvre, Jules a été abandonné par sa frivole jeune femme, dont l’absence, il peut accepter; ce qu’il ne peut vraiment pas supporter d’être séparé de est le Van Gogh autoportrait, elle a pris avec elle. En regardant le vide de l’espace sur son étude de la paroi devient un perpétuel tourment: “Parfois, avant qu’il le rappeler, le soleil couchant lavé la blancheur d’un rose pâle rose et le vide des ongles brillait comme un œil.”





Clare Clark.



Claire Clark. Photo: Nick Cunard/REX/Shutterstock

La consolation, à la fois émotionnel et professionnel, se présente sous la forme d’un mollasson jeune marchand d’art de Düsseldorf nommé Matthias Rachmann. Un ancien danseur enjôleur “mer de verre” yeux, Rachmann prétend avoir accès à une collection de début de Van Gogh toiles en contrebande de la Russie par un mystérieux noble. Plutôt que de sentir un rat, Kohler-Schultz et Berlin monde de l’art semble que trop désireux de s’authentifier cette douteuse thésauriser sur les motifs que Van Gogh était plus capable de peinture mal: “La vraie nature de son génie ne réside pas dans les tableaux eux-mêmes, qui ont parfois échoué, mais dans sa vision … la course par course portrait de son essai-et-erreur de l’âme.”

Clark introduit deux nouveaux personnages qui deviennent impliqué dans l’affaire. Emmeline Eberhardt est une lutte commerciale artiste qui a été imitant des artistes de renom pour des campagnes de publicité. Et la dernière section de l’ouvrage prend la forme d’un journal intime, écrit par Rachmann de l’avocat, dont la pratique est menacée par la montée du parti Nazi, et dont la défense d’un efféminé fraudeur était toujours susceptible d’être une bataille perdue d’avance: “Que les Berlinois ont combattu des batailles rangées dans les rues à coups de pied, les derniers lambeaux de la vie, de la mou-wristed Weimar expérience, personne n’était sur le côté de la pédés et les danseurs.”

Peut-être inévitablement, un complot si labyrinthique et chargé avec les théories du complot vire parfois vers le mélodrame; pourtant il n’y avait pas de pénurie d’éminents experts prêts à convaincre eux-mêmes et d’autres personnes que le Wacker tamponne (dont aucun n’a survécu) ont été le véritable article. Clark suggère de façon convaincante que les peintures, chefs – d’œuvre à un moment donné, sans valeur, l’autre – ont été tout simplement un baromètre de l’inflation chaos qui assaillent l’Allemagne de l’entre-deux-guerres. Le récit se déroule, le prix d’un œuf s’élève à 1 000 m de marques.

Le roman historique de l’autorité n’est pas totalement exempt de défauts. Concernant le rythme de la construction à Berlin, Emmeline observe “les gens se dépêcher le long de la les planches mis en place où les trottoirs devraient avoir été, et il était comme les vieux films dans les jours avant le cinéma parlant”. Depuis cet épisode se produit en 1927, l’année de La Chanteuse de Jazz a été libéré, il semble un peu précipité à réfléchir sur des films muets comme une époque révolue. Mais au cœur de ce livre tient à une quête d’authenticité qui a une incidence sur notre propre temps. Dans une lettre à son frère Théo Van Gogh lui-même admis: “Ce que je fais peut-être une sorte de mensonge, mais seulement parce qu’il dit la vérité plus clairement.” Dans une époque qui a apparemment perdu la foi dans les experts et vérifiables sources d’information, Clark fictionalisation de Wacker affaire se présente comme un salutaire histoire pour la post-vérité ère.

Dans la Pleine Lumière du Soleil est publié par Virago (£16.99). Pour commander un exemplaire, aller à guardianbookshop.com ou appelez 0330 333 6846. Free UK p&p de plus de £15, les commandes en ligne seulement. Les commandes par téléphone min p&p £1.99.

https://www.theguardian.com/books/2019/mar/06/in-full-light-of-sun-clare-clark-review

Dangereux appétits: le bizarre, le monde sauvage de Dorothée de Bronzage

Jen 1946, Lee Miller visité Dorothea de Bronzage et de Max Ernst à Sedona, en Arizona, et a pris 400 photographies du désert et de ses hôtes. Son plus célèbre de l’image s’agrandit d’Ernst en un géant, arpentant les attaquants de l’image vers nous, son expression la partie inspiré de la partie démoniaque. Bronzage regards vers lui juste derrière, pris de profil, avec sa jupe blanche gonflée, rétréci dans un compact Alice au pays des Merveilles. Est la photographie, l’observation de la dynamique du pouvoir des hommes et des femmes du surréalisme, avec lequel Miller était que trop familier? Ou est-il plus concerné avec nous offrant un surréaliste désert de conte de fées?

Il était approprié pour décrire le Bronzage comme Alice. Il y a une Alice-comme la qualité de son auto-portrait en Anniversaire, l’image établi que son peintre et porté sur la relation avec Ernst quand il est arrivé à son studio de New York en 1942, envoyé par sa femme Peggy Guggenheim à la recherche d’un travail dans une exposition d’artistes femmes. Bronzage lui a montré sa peinture et a demandé à ce qu’elle devrait l’appeler; Ernst nommé Anniversaire et s’installe avec elle une semaine plus tard. Le tableau représente un nu-breasted jeune femme, la regardant d’un air absent avec une sorte de tout‑en sachant innocence. Le port ouvert Élisabéthaine-robe de style avec des algues suspendues à partir de sa jupe, Bronzage ressemble à Alice, mais rappelle aussi le Griffon, le droit ailé griffin Alice rencontre sur son voyage. En arrière-plan sont sans cesse l’ouverture des portes qui permettraient d’alimenter le Bronzage de peintures au cours des prochaines décennies.

Ernst était d’un autre artiste, fasciné par Lewis Carroll’histoire. En 1941, il dépeint comme un nu adulte femme cachée à l’intérieur d’un géant rocheux de la croissance. Bronzage et Ernst peintures de parler facilement les uns aux autres, bien que Ernst Alice est calqué sur celui de Leonora Carrington, son amant avant de le Guggenheim. Il aimait les femmes plus jeunes, il pouvait voir qu’Alice-comme des figures de Bronzage est né de 19 ans après Ernst, en 1910, et Carrington en 1917. Mais bien que plus jeunes, elles ont été cultivés-up des femmes. Quoi de plus dangereusement pubescent incarnation d’Alice? Il a été laissé à Tannage elle-même pour l’amener dans la peinture.





Max Ernst and Dorothea Tanning, Oak Creek Canyon (1946).



Max Ernst et Dorothea Bronzage, Oak Creek Canyon (1946). Photo: Lee Miller/Lee Miller Archives, Angleterre 2013. Tous droits réservés

Pour le Bronzage, le passage à l’Arizona en 1946, semble avoir permis un retour à l’fantasmes érotiques de sa propre adolescence, pris au piège entre les Luthériens en Galesburg, Illinois. Au cours de la décennie de l’après-guerre, elle a amassé un ensemble extraordinaire de peintures représentant l’adolescence comme une période de dangereux appétits et mystérieuse puissance érotique. Maintenant, ces peintures ont été recueillies pour une importante rétrospective de Bronzage, qui est sur le point d’ouvrir à la Tate Modern. Ce sont des photos que Miller aurait vu dans le Tannage de l’Arizona studio, donc peut-être ce que Miller était en train de faire dans sa photographie a été d’imaginer de Bronzage comme le sujet d’un de ses propres peintures. Le plus célèbre est celui de 1943 Eine Kleine Nachtmusik, qui met en scène deux jeunes filles dans le porte-couloir bordé d’un hôtel. On se penche en arrière, les yeux fermés, dans un rêveur rêverie, ses cheveux blonds doublure de son dos et son ventre nu poussé vers l’avant, ce qui suggère que le corps d’une femme plus âgée. L’autre est debout, ses cheveux volant au-dessus de sa tête avec détermination de l’énergie qui donne l’image de sa charge. Sur le sol il y a un géant de tournesol, soufflées à partir de l’Arizona, ses pétales doublure de l’escalier. Au bord de l’image, l’une des portes s’ouvre sur ce qui pourrait être un de soleil sur le désert ou un grand brasier. Si nous assistons les filles au point de devenir, alors c’est le moment qui précède l’explosion et il y a des violents, des forces invisibles à jouer.

Dans son 1945 méditation Arcane 17 d’André Breton a célébré la femme-enfant, la pubescent fille qui “envoie des fissures à travers les mieux organisés, les systèmes, car rien n’a été en mesure de soumettre ou s’étendre”. Il pourrait avoir été la pensée de l’déterminée chiffres de Bronzage en 1942 Jeux pour Enfants, arrachant le papier peint dans l’ombre du corridor de révéler protubérances charnues dessous. Dans son autobiographie, le Bronzage a écrit plus tard qu’au cours de son adolescence à Galesburg “rien ne s’est passé, mais le fond d’écran”. Repensée 20 ans plus tard, le papier peint devient elle-même un puissant, la force vivante.

C’est ce sentiment, que les fantasmes de l’enfance sont éparpillés devant nous sur la toile, qui donne à ces peintures de leur pouvoir, et le sentiment n’est pas sans éthique complications. A été de Bronzage, complices des aspects du surréalisme qui, de nos jours, pourrait être considéré comme moralement discutable, même pédophile? Oui, elle était probablement. Certainement La Chambre d’Hôtes (1950-2) rend difficile la visualisation lorsque l’on sait que le modèle de nu pubescent fille qui se fâche à nous de la porte ouverte a hésité à poser nue pour l’image, et que c’est seulement après les séances de Bronzage peint, nue, seins, de les imaginer. Mais alors ce n’est pas vraiment destiné à être moralement simple pièce. Derrière la porte, la jeune fille est masqué par une, les yeux bandés, double; à l’arrière de la salle de la figure de l’approche de la mort; dans le lit d’une autre fille fermoirs un sinistre amputé de la poupée. La peinture est sans doute érotique. Il est enveloppé dans le miroitement de tissu que les rideaux de son chemin à travers beaucoup de Bronzage de photos en ce moment, ce qui suggère une sorte de tactile facilité en contradiction avec le sujet. Mais c’est un dangereux eros, où une jeune fille fantasmes peut facilement rendre son vulnérables, à la volonté d’une plus malveillants désir.

Le bronzage ce désir explicite dans une histoire qu’elle a écrit à cette époque appelée “Abîme”, publié en 1949 et inclus dans le manuscrit dans le spectacle. Ici, Albert, la maison d’hôtes au manoir dans le désert, à la rencontre de son hôte sept-année-vieille fille dans ses chambres au dessus de la maison. Les chambres disposent de somptueux, trésor sensation d’un Bronzage peinture, rempli à craquer de “bizarre meubles et bricabrac”, parsemé avec des tas de dusty oiseaux ailes et à la fois “échaudés” et “purifiée” par la lumière d’un gigantesque lustre. Convoqué par l’enfant, “attitude calme et impérieux”, il est invité à s’asseoir. Lorsqu’il refuse, elle lui ordonne tranquillement de manger son dîner. En retour, elle va lui montrer sa boîte à souvenirs. Pris dans une sorte de transe, Albert est assis à sa petite table et mange sa nourriture. À la fin, il la regarde: “Son regard dévoré le petit rouge de la bouche, la gorge, les cheveux, la robe blanche, que sa bouche avait dévoré le plateful de la nourriture.” Puis il regarde à travers ses trésors, qui s’avèrent être de vrais yeux, offert par un sympathique lion. Albert déclare la loyauté et l’amour de la jeune fille, ébouillanté et purifié à son tour.





Hôtel du Pavot, Chambre 202 (1970-1973).



Hôtel du Pavot, Chambre 202 (1970-1973). Photo: SACD, 2018

C’est une passionnante histoire, et de ses forces éclairer les points forts de la peinture: la façon dont la curiosité de la vie intérieure se combine avec la confiance que le visuel peut être suffisant. Le monde en deux dimensions de la surface picturale, la représentation visuelle d’une brillante globe oculaire dans un messily somptueuse salle entourée par un terrible désert, sont d’une histoire en eux-mêmes et ne nécessitent pas d’explication psychologique. Pourtant, les gens qui les habitent vivent chiffres de, plus que dans le travail de la plupart des autres surréalistes. Bronzage littéraire des personnages sont plus vivants que ceux de Breton et Nadja (ses 1928 roman à la suite d’une jeune femme autour de Paris); les filles dans ses peintures ont un plus grand sentiment de la vie corporelle que ceux d’Ernst ou de Carrington.

La Tate show conservateur du Alyce Mahon fait un des arguments convaincants pour la fin de surréalisme dans le catalogue, nous rappelant qu’il était un mouvement qui a continué à prospérer et à muter après la seconde guerre mondiale. Bronzage-même avait vécu le début de la guerre de première main: elle était en vacances en France, quand il a éclaté et a fait son chemin à travers l’Europe. Pour le Bronzage et Ernst, la guerre a fourni une toile de fond pour la prise de conscience que le surréalisme a eu raison dans son diagnostic de la blastedness de la culture contemporaine, et de la mort, en traitant de la nature de la moralité conventionnelle et de la vie institutionnelle. Bronzage émerge de façon convaincante ici comme une fin surréaliste qui a vu comment beaucoup plus loin surréalisme pourraient encore être prises, à trouver dans le paysage désertique de l’Arizona une riche configuration à juxtaposer de désir et de violence.

Puis en 1955, son style a changé, devenant plus gestuelle et de l’abrégé. En 1949, le Bronzage et Ernst commencé à passer plus de temps à Paris, de s’installer là, dans les années 50. À Paris, il était difficile d’ignorer l’expressionnisme abstrait et éloigné dans le désert, elle avait une plus grande liberté de réinventer son style et la palette. Dans son autobiographie, elle écrit que “mes toiles littéralement volé en éclats”. Les photos ont augmenté, et les coups de pinceau sont devenues plus grandes et messier. Ce sont plus floues les images, mais ils sont encore peuplées par le corps humain, dont les membres et les torses de s’étendre à travers la toile. Dans les années 1980, certaines des filles des premières peintures semblent réapparaître sous de nouvelles formes. Il y a de la liquidation des chiffres dans ses Filles (1983), leurs muscles pris la mi-motion sur la violence de devenir. Son jaune Porte de 84 à partir de 1984 se sent comme un De Kooning, avec deux de Bronzage filles jeté sur elle. Un ébrasements ses jambes de façon suggestive, l’autre traverse l’image en tant que bien que la mi-vol. Les deux sont délimitées par la porte en bois qu’elle attachait à la toile, donnant les portes de son œuvre antérieure, une sorte de persistance de l’actualité qui prend sa langue, de manière ludique, à partir de l’idiome de sa nouvelle contemporains, Robert Rauschenberg et Jasper Johns.





Nue Couchée (1969-70).



Nue Couchée (1969-70). Photo: SACD, 2018

Pendant les années 1970 et 80, de Bronzage roulait artistiquement dans deux directions à la fois. En même temps qu’elle faisait ces peintures abstraites, elle était de retour au surréalisme dans les sculptures molles, elle a commencé à coudre en 1969. Écouter un rendement de Stockhausen’s Hymnen à la Maison de la Radio à Paris, elle a trouvé que l’essorage entre le surnaturel, les sons “étaient la terre, même les formes organiques que je voudrais faire, devait faire, de tissu et de la laine”, le mélange de l’abstrait et le quotidien comme dans de Stockhausen son monde (sa pièce comprend des foules en liesse et quacking canards). Elle a visité les marchés aux puces et est passé par sa propre garde-robe et trouvé beaucoup de tweed et de la farce. À l’aide de balles de tennis de table pour les os de la colonne vertébrale, elle a créé une série de figures humaines. Son Nue Couchée (1969), c’est comme un plus intime de la version de Henry Moore sculpture, avec un exagérément dos courbé emballage autour longuement retors membres.

Le point culminant de ce travail est la Chambre 202, l’Hôtel du Pavot, une installation de figures sculptées fait dans 1970-3, et de les inclure sa propre chambre dans la Tate exposition. Voici une fois de plus le fond d’écran de Bronzage de l’enfance, déchiré comme dans les Jeux d’Enfants. Deux bombé décapité nus grimpent hors de lui, l’un avec un pied a point d’émerger. Sur le sol il y a une série de tweedy corps pris dans des étreintes avec des éléments de mobilier. L’un se trouve sur une table, s’étendait dans la langueur sensuelle. Un autre creuse des galeries dans un fauteuil avec un intentness facilement évoque la sensation d’un corps hébergés par le toucher. Le bronzage de la joie dans la fabrication de ces est évident. Elle a admis à trouver “la brutale réduction des étoffes d’une joie incomparable en lui-même”. Il y a une telle certitude dans les formes et leur relation les uns aux autres, et pourtant aussi un littéral jetable de qualité: elle a fait ces objets, sachant qu’ils avaient de la carie. Maintenant, ils sont extrêmement fragiles et ce peut être la dernière fois qu’ils peuvent tous être affichés.

Le bronzage est décédé en 2012 à l’âge de 101. Sa dernière décennie a été remarquablement productive. Elle a publié deux recueils de poésie et un roman, Gouffre, qui a retravaillé le matériel de “Abyss” (et qui Virago est maintenant réédition). La fin de son les peintures de fleurs sont représentés dans la Tate par les délicatement à la belle Crepuscula glacialis (1997), qui montre un être éthéré corps de la femme flottant derrière une série de pétales qui s’ouvrent. Cela a quelque chose en commun avec Georgia O’Keeffe, mais l’érotisme, ici, est de plus en plus diffuses, en évoquant moins le physique d’un sexe de plus de rêve de volupté.





A detail from Children’s Games (1942).



Un détail de Jeux pour les Enfants (1942). Photo: SACD, 2018

Dans le Tannage du Gouffre de l’histoire originale devient le centre d’un remarquable récit à suspense de sexe et de violence dans le désert. En regardant en arrière sur le paysage d’un demi-siècle plus tard, le Bronzage a élargi les descriptions dans l’amour du détail. “Le désert est plein à craquer,” l’héroïne de Destina-grand-grand-mère dit, “le sable vous parle, mais ses mots ne riment.” Le point culminant de l’histoire est quand Albert et sa fiancée Nadine confronter Destina l’ami du lion, qui vient à symboliser la nature dans sa puissance brute: “un cruel de rire, et la force d’une manière extravagante au-delà de ses notions et, par-dessus tout, indifférent à son existence”. Il en résulte une série de décès, à l’intérieur et à l’extérieur de la maison, qui apportent le sentiment que le Bronzage a écrit à l’écart du surréalisme, il est détruit dans un bain de sang et ensuite appelé la police pour évacuer le reste. À la fin, Destina est à gauche avec seulement son ordinaire, jeune fille, brutalement retiré du monde imaginaire de son passé. Maintenant, quand elle se rend dans le désert, elle trouve “un morceau de rêve brisé au large de la roche d’elle-même”. Le nonagenarian de Bronzage semble ici être confronter ses premiers tableaux.

Que la fin, le surréalisme encore besoin d’être secourue par les conservateurs et les critiques est peut-être pas un signe de sa défaite, mais de l’ampleur et de l’omniprésence de son triomphe. Pourrions-nous avoir de Pablo Picasso ou de Jackson Pollock , sans le surréalisme? Ce sujet de David Lynch, JG Ballard ou Angela Carter? Comme une influence, il est facile de lui donner une place cruciale dans le canon de l’art féministe. Louise Bourgeois est né un an plus tard que le Tannage, mais seulement commencé à coudre après le Tannage, avait exposé ses premières sculptures, pense aussi que le rôle de la couture dans le travail de Tracey Emin et Sarah Lucas, dont le Nud des Cyclades (2010) présente une série de formes tordues fait à l’aide de peluche collants. Ces formes sont devenues une convention de sculpture contemporaine – Bronzage était là en premier.

Si elle avait suivi l’exemple de Destina-grand-grand-mère dans le Gouffre , et a vécu pour voir encore une autre génération, ce serait de Bronzage ont fait le monde d’aujourd’hui? Certainement son compliquée, énergiquement, se tordant vision de la sexualité féminine semble encore avoir beaucoup de chose à dire, si seulement parce qu’il reste donc résolument neutre moralement. Elle ne nous dit pas quoi penser, ou même de nous dire ce qu’elle pense, à nous rappeler l’élément de désir qui ne peut être expliqué. À la fois séduisant et inquiétant, c’est le désir comme une érotique de la force. C’est peut-être mieux pris dans le miroitement de la soie que ravir la femme-enfants des premières peintures, ou le rugueux et encore tactiles tweed, vêtus de membres compte tenu de langoureux, lubriques vie dans la chambre 202.

Lara Feigel est l’auteur de Femme Libre: la Vie, la Libération et de Doris Lessing (Bloomsbury). Dorothea Bronzage est à la Tate Modern, Londres SE1, à partir du 27 février. Tate.org.royaume-uni. Le gouffre est publié par Virago.

https://www.theguardian.com/artanddesign/2019/feb/08/dangerous-appetites-the-weird-wild-world-of-artist-dorothea-tanning

Illustrant Howl’s Moving Castle – en images

Voici les 25 Illustration du Livre de la Concurrence finalistes dans la course pour illustrer le Folio de la Société nouvelle édition de Diana Wynne Jones roman classique à propos d’une jeune femme, les aventures d’un assistant. Le gagnant sera annoncé le 26 février

Images fournies par le Folio de la Société et de la Maison de l’Illustration

https://www.theguardian.com/books/gallery/2019/feb/04/illustrating-howls-moving-castle-in-pictures

Tenir le front de pages: répondre à la garde des amateurs de

Ftrès bien réussi avec l’horrible gueule qui est aujourd’hui le cycle de l’information, il pourrait être un peu plus apaisant que de se glisser dans le monde ésotérique de Nous l’Amour des feuilles de garde, une société pour les amateurs de partager leurs favoris parmi les plus belles pages bookending tomes.

Pages de garde date remonte au moins jusqu’au 15ème siècle, lorsque des morceaux de vieux manuscrit ou vélin serait utilisé pour aider à coudre un livre bloc dans sa liaison, et la protéger. Par le 17ème siècle, ils ont été utilisés comme éléments décoratifs; aujourd’hui, elles peuvent être dotées de tout, des cartes à un tir supplémentaire des illustrations d’un livre de l’illustrateur.

L’adhésion de Nous l’Amour des feuilles de garde a connu une croissance rapide au cours des deux dernières années, dit le libraire d’ancien Simon Beattie, qui, au départ, a fondé le groupe juste pour ses amis. Près de 3 000 membres comprennent maintenant les libraires antiquaires, collections spéciales de la les bibliothécaires, les collectionneurs privés et de réserver des designers. “Tout le monde est très civilisé”, dit-il. “Tout le monde aime les pages de garde et de regarder les livres.”

Définie simplement – et comme réconfort – comme “un lieu pour les gens de poster des photos de belle pages de garde, ils viennent de partout”, des exemples récents ligne partagées par les membres de l’vibrant de beaux exemples en 1776 édition allemande de Tristram Shandy de la doré d’oiseaux sur un fond rose à l’intérieur d’un français manuscrit de chansons, fait pour une jeune femme dans les années 1790. Loin de la foule de la politique actuelle, les amateurs de livres de discuter, dans le menu détail, les différentes techniques utilisées: marbrures, l’arrosage, le bloc d’impression, gaufrage …

“CHARMANT”, proclame l’un des membres décrivant 18ème siècle Écossais de liaison décoratives de feuilles de garde. “Splendide! Je voudrais voir la colonne vertébrale”, déclare un autre. “Une belle combinaison!! L’amour du rouge et or, bestiaire, et comme pour la liaison … superbe!”, dit un troisième.





An example of Dutch Gilt endpapers by one Johann Michael Munck of Augsburg, on a 1642 edition of Aphthonius’ Progymnasmata.



Un exemple de néerlandais doré pages de garde, par Johann Michael Munck d’Augsbourg, sur un 1642 édition de Aphthonius de Progymnasmata. Photo: Simon Beattie

“Hier, un bibliothécaire de Durham avait une question à propos d’un style particulier de persillage. Dans un délai de quelques heures de sa question avait été exaucée et la technique identifié, par un papier marbler au Chili,” dit-Elle. Il a d’abord diminué pour les pages de garde quand il a débuté en tant que libraire, il y a 20 ans: “j’avais vu marbré papiers avant, mais je n’avais pas vu le bloc-imprimé, et j’ai tombé en amour avec ces du 18ème siècle, les choses. Certains d’entre eux sont étonnamment moderne. Les couleurs sont souvent très dynamiques. Parce qu’ils sont à l’intérieur du livre qu’ils n’ont pas fané, deviennent marqués ou de la poussière de-sales. Ils restent la couleur qu’ils ont été quand ce livre a été lié.”

Beattie est devenu quelque chose d’un porte-parole des feuilles de garde depuis le lancement du groupe, a récemment écrit une pièce pour les Libraires d’anciens’ Association of America, dans lequel il expose un résumé de l’histoire de pressé à la main des feuilles de garde.

Le persillage, s’est développé en Asie dès le 12ème siècle, “est atteinte non pas directement sur la feuille de papier lui-même, mais sur un liquide appelé le persillage de la “taille” … Persillage peintures sont ensuite saupoudré sur de la taille, dans un bac plat, où ils peuvent être soit de gauche à flotteur, ou être manipulés avec des outils tels que des aiguilles ou des peignes de produire de la décoration souhaitée; le papier est ensuite fixé sur la taille et le modèle ainsi transférée sur le papier.” L’aspersion, utilisée depuis le 16ème siècle, implique l’exécution d’un doigt le long d’un pinceau gorgé de distribuer des gouttes de peinture sur le papier. “Il était particulièrement populaire en Allemagne, où il est connu comme Kiebitzpapier (littéralement, vanneau huppé de papier”, comme l’effet moucheté a été pensée similaire à la tendance observée sur certains œufs d’oiseaux),” écrit-Elle. Gaufrage, qui modifie le papier en relief, trouvé la popularité dans le 18ème siècle. Il utilise souvent l’un des Beattie préféré des techniques, néerlandais doré – un abus de langage, puisqu’elles ont été faites en Allemagne et en Italie, mais a exporté vers la grande-Bretagne via les pays-bas.

“C’est agréable de trouver des choses à vous faire, ‘Wow!’” dit Beattie. “C’est un peu comme si vous voyez l’intérieur d’un homme en costume, s’il y a une fantaisie doublure en – un flash de couleur, c’est sympa!”

https://www.theguardian.com/books/booksblog/2019/jan/24/hold-the-front-pages-meet-the-endpaper-enthusiasts

Jane Austen? La famille disent note établit contestée du portrait d’identité

Un négligé remarque qui peut avoir été écrit par Jane Austen, de la grand-nièce Fanny Caroline Lefroy pourrait mettre fin à la longue interrogation sur une peinture à l’huile ses propriétaires croient est une représentation de l’écrivain comme un adolescent – une revendication qui a été longtemps contesté par les experts de l’art.

Montrant une jeune fille dans un écoulement blanc mousseline robe avec un chapeau de cheveux bruns et une charmante demi-sourire, la peinture est détenue par le Riz de la famille, descendants directs de l’un de jane Austen, ses frères. Le Riz est la revendication affiche jane Austen elle-même, et qu’il a été commandé par le portrait du peintre Ozias Humphry en 1788, à l’âge de 12 ans, Jane et sa sœur Cassandra ont été prises pour rendre visite à leur grand-oncle François, dans le Kent. Selon le Rix, Humphry de 1788 comptes sont maintenant conservés à la British Library, la liste d’un projet de loi à François Austen pour 13 guinées.

Mais l’identité de la peinture s’est avérée controversée depuis des décennies. Experts, y compris la National Portrait Gallery, qui a accordé une licence pour la vente à l’étranger, car il croyait qu’elle n’était pas de jane Austen, ont dit que le style de la robe dates à plus tard 1800. Le doute sur l’image de l’objet signifie que lorsque le Riz portrait a été mis aux enchères par Christie’s en 2007, il a échoué à vendre.

Étaient le portrait authentifié, il serait le seul professionnel à la ressemblance de l’une des plus appréciées au monde des auteurs. Il n’existe actuellement que deux accepté portraits de jane Austen, les deux esquisses de sa sœur Cassandra, bien que dans de 2011 érudit Paula Byrne a prétendu avoir trouvé un portrait perdu de la romancière.

Maintenant, le Riz de la famille ont découvert une nouvelle pièce de la preuve qu’ils disent ajoute plus de poids à leurs revendications. La unsigned note censé avoir été écrit par Lefroy a été passé à la Riz au travers des liens familiaux. Conservés dans d’Austen bureau, il avait été négligée, a déclaré John Nettlefold, fils de la peinture propriétaire d’Anne Rice, jusqu’à son actuel propriétaire a remarqué la petite enveloppe brune contenant il était marqué “l’histoire du portrait de Jane Austen”. Lefroy était né trois ans après Austen est mort, mais sa mère, qui était la fille de la romancière, le frère de James, savait Austen.





An anonymous note describing a portrait, said to be of Jane Austen



“L’histoire du portrait de Jane Austen maintenant en la possession de Morland Riz sa Gt neveu’ … une note trouvée dans Jane Austen du bureau.

La note se lit comme suit: “L’histoire du portrait de Jane Austen maintenant en la possession de Morland Riz sa Gt neveu. Vieux Dr Newman, fellow de-la-Madeleine, il y a des années lui a dit qu’il avait un portrait de Jane Austen, le romancier, qui avait été dans sa famille de nombreuses années. Il a déclaré qu’il a été fait à la salle de Bain quand elle était sur le 15 et il a promis de lui laisser (Morland Riz) l’image. Quelques mois avant que le Dr Newman est mort, il écrivait à un de ses amis (un Dr Bloxam) lui envoyant une photo comme un cadeau d’adieu et a ajouté: “j’ai une autre photo que je souhaite aller à votre prochain Morland Riz. – Ce un portrait de Jane Austen, le romancier par Zoffany. Sa photo a été donné à ma belle-mère par son ami le Colonel Austen de Kippendon [sic], dans le Kent, parce qu’elle était une grande admiratrice de ses œuvres.”

Les noms de notes de l’artiste Johann Zoffany, à qui l’œuvre a été attribué dans le passé. Il n’est pas signé, mais après comparaison avec d’autres documents détenus dans le Hampshire Record Office, le Riz que c’est très probablement de la main de Lefroy.

“C’est arrivé à l’improviste”, a déclaré Nettlefold. “La première chose que nous avons voulu savoir était, c’était Fanny Caroline Lefroy? Nous avons donc eu quatre les gens le regardent. Il y a beaucoup d’exemples de son écriture manuscrite dans le Hampshire Record Office, et nous croyons qu’il est … 100% de certitude absolue.”

Kelly M McDonald, un chercheur indépendant qui est des recherches sur les lettres et les journaux intimes de Emma jane Austen-Leigh, la femme de Jane Austen, le neveu de James Edward Austen-Leigh, d’accord. “L’écriture de l’extrait est conforme à l’signé (FC Lefroy) lettre dans le Hampshire Record Office,” a dit McDonald. “Il y a le ” A “avec sa boucle sur le dessus; la lettre minuscule “g”; même le tronc de downstroke à la lettre minuscule “y”. Le “je” est lourde à la fois. Mais regardez le ‘S’: très cohérent.”

Selon Nettlefold, la lettre est une preuve suffisante pour établir la peinture de l’objet comme Austen. “Ce qui est écrit avant, il n’y a aucune sorte de problème,” dit-il. “La que les problèmes ont commencé dans les années 1930 … Malheureusement, il y avait alors un institutionnelle de l’inimitié envers elle et il est juste de pire en pire.

“Mais tout ce que je peux dire, c’est que cette note a été écrite par Jane la grande nièce à un moment où il n’y a pas de controverse sur cette image que ce soit. Elle est absolument insisté sur le fait que c’est un portrait de Jane Austen. Dans la note, dit-elle exactement d’où il vient – pourquoi devons-nous supposer que tous ces gens sont des menteurs? Si elle était couchée et c’était une lettre à quelqu’un d’autre, très bien. Mais pourquoi voulez-vous écrire une note à vous-même et de mentir à vous-même?”

En 2012, photographique numérique analyse a révélé écrit sur la peinture qui semble montrer le romancier du nom, et aussi celle de Humphry, ainsi que la date de 1789. Le Riz de la famille disent qu’il y a maintenant cinq morceaux de preuves primaires qui pointent vers le portrait, en cours de jane Austen, et sont à la poursuite d’une réunion avec le directeur de la National Portrait Gallery pour discuter de son authenticité.

Le Riz de la famille aimerait vendre le portrait, si et quand il est reconnu officiellement comme étant de jane Austen, dit Nettlefold: “Ma mère veut absolument que cela soit reconnu et aimé par Jane Austen, les chercheurs et les fans du monde entier. Il me semble que c’est incroyablement triste que cette belle image n’est pas reconnu pour ce qu’il est.”

Actuellement, le tableau est conservé dans un coffre-fort, “où nous sommes les seuls à la voir”, dit Nettlefold. “Ce sera génial quand elle est sur le mur, où tous ceux qui aiment son travail auront accès. Qu’elle doit aller à une grande galerie.”

Une déclaration de la National Portrait Gallery de londres , a déclaré: “Nous avons lu le dernier article sur le Riz portrait avec intérêt. Nous allons ajouter cette et tous les nouveaux éléments de preuve fournis pour le live de recherche de fichier qui est maintenu sur le portrait.”

https://www.theguardian.com/books/2019/jan/23/jane-austen-family-say-note-establishes-disputed-portraits-identity

“Une extraordinaire histoire Américaine’ – derrière ouvrir les yeux de James Baldwin exposition

James Baldwin est toujours photogénique, mais personne ne les a capturé tout à fait comme Richard Avedon.

L’Américaine de la mode et de portrait, photographe a pris une superbe photo de l’auteur en 1945, le regard innocemment dans l’objectif, comme s’il s’agissait d’une photo booth. Et encore une fois, il a tiré Baldwin, aux côtés de sa mère, Emma Berdis Baldwin, en 1962, à enfiler un costume et maigre de cravate, de fumer une cigarette avec un bras perché sur sa mère l’épaule, comme elle riait avec lui.

Ces photos montrent un caractère beaucoup plus personnel côté de la Si Beale Street Pouvait Parler de l’écrivain et de critique sociale que la plupart d’entre nous ont vu avant. Ils sont à vue dans le cadre d’une exposition de groupe à la David Zwirner gallery à New York, intitulé Dieu a Fait de Mon Visage: Un Collectif Portrait de James Baldwin.

“Je veux que les gens à comprendre sa relation à l’amour, plus que tout autre chose”, a déclaré Hilton de la Sla, le lauréat du prix Pulitzer, l’écrivain qui a été le commissaire de l’exposition. “Même s’il était erratique, il n’a jamais perdu comment des gens de valeur, en noir ou en blanc, étaient à lui. Je veux vraiment que les gens prennent loin de sa capacité et de son besoin d’amour.”

Avedon et Baldwin ont été amis de lycée qui ont étudié ensemble dans le Bronx et a collaboré à une revue appelée Pie, où Baldwin publié certains de ses premiers essais. Ils ont également co-auteur d’un livre sur la vie Américaine en 1964, appelée Rien de Personnel.





Richard Avedon - James Baldwin, writer, Harlem, New York, 1945



Richard Avedon – James Baldwin, écrivain, Harlem, New York, 1945. Photo: Richard Avedon/Avec L’Aimable Autorisation De David Zwirner

Mais, curieusement, en dehors de quelques artistes de l’exposition (y compris Baldwin début mentor Beauford Delaney), la plupart des artistes ne connaissaient pas le pionnier de l’écrivain personnellement. “Le spectacle est à propos de sa relation aux artistes qu’il ne le savait pas et les conversations qu’il n’a jamais eu”, a déclaré la Sla.

Elles sont présentées aux côtés de Glenn Ligon portraits de Isaac Hayes, Malcolm X et de Frederick Douglass, peint en gras, les couleurs primaires. Il y a aussi des œuvres de l’artiste français Marlene Dumas, qui a peint Baldwin et une sélection d’autres grandes figures de la culture pour sa série de Grands Hommes. Dumas montre une peinture de Baldwin à côté des portraits de jazz poète Langston Hughes, l’acteur Gordon Heath, ainsi que de la renaissance de Harlem écrivain Owen Dodson et dramaturge Richard Wright, qui racontait des histoires de violence raciale dans le sud.

Il y a aussi des coups de Baldwin prises par son bon ami, le turc photographe de portrait Sedat Pakay. Avec sa caméra, il a suivi l’écrivain autour de la Turquie pendant les années 1960, ce qui est quand Baldwin a vécu à Istanbul sur et en dehors pendant une décennie. C’est dans le même temps, il écrivit son roman un Autre Pays et qui a sans doute été à la hauteur de sa reconnaissance, après avoir été sur la couverture de Time magazine en 1963.

Entre la première édition de livres dans la pièce, il y a une copie de Baldwin premier livre de non-fiction Notes d’un Fils Natif, à partir de 1955, où il célèbre écrit: “L’idéal Américain, après tout, c’est que tout le monde doit être aussi semblables que possible.”

Baldwin propres dessins au crayon sont également dans le spectacle, y compris les esquisses des hommes qui pourraient être interprétés comme des auto-portraits, ainsi que caricatural chiffres. Ils sont présentés à côté d’une photo de Diane Arbus et Anthony Barboza du portrait de Michael Jackson.

“Je voulais montrer Arbus travail à côté de Barboza de photo à montrer les voies noir bizarrerie déclare lui-même ou de ne pas déclarer lui-même”, a déclaré la Sla. “Michael Jackson face à la 21 est une saisissante image, non? Par rapport à tout ce que Michael a fait par la suite par le blanchiment de sa peau et en changeant la forme de sa tête et le visage.”





James Baldwin, 2014 from the series Great Men.



James Baldwin, 2014 dans la série des Grands Hommes. Photo: Kerry McFate/Avec L’Aimable Autorisation De David Zwirner

“Il y a beaucoup à apprendre dans cette partie de l’exposition sur le noir bizarrerie et la manière dont il est mutilé dans la société, dans les moyens qu’elle peut être libre,” il a dit.

Baldwin s’enfuit à Paris en 1948, quand il était âgé de 24 ans. Son deuxième roman de Giovanni Pièce, écrite en 1956, suit la vie d’un Américain à Paris qui a une tumultueuse histoire d’amour avec un italien barman. Le livre controversé à l’époque pour sa homoérotique scènes – a été écrit avant le début de la libération des homosexuels dans les années 1960.

“Baldwin a déclaré dans une interview qu’il a dû quitter New York en exil pour apprendre à devenir soi-même”, a déclaré la Sla. “J’ai appris que, comme je l’ai croître et d’admettre combien il est difficile d’être en noir et queer dans la Ville de New York, par exemple. Maintenant, je ne peux pas imaginer ce que c’était en 1948.”

“Existe-il des différences entre son expérience dans la Ville de New York et de la mienne?” La sla se demande, dans le monologue. “Je ne sais pas. Tout ce que je peux dire, c’est que pour faire un spectacle comme celui-ci, vous devez faire l’effort de votre propre soi. Il donne beaucoup de lui-même sur la page et dans la vie, vous devez respecter les efforts qu’il fait pour se connecter en se connectant.”

Baldwin réalisations sont pas seulement sur la page ou dans l’œil du public, mais à travers la vie de ses amis qu’il a touché. Il a contribué à inspirer Nina Simone pour devenir un militant pour les droits civiques et était considéré comme un frère de Maya Angelou.

“Avouons-le, nous parlons de quelqu’un qui de sortir de l’extrême pauvreté, dont les parents étaient des esclaves, à droite?”, demande la Sla. “Comment voulez-vous vous retrouvez dans le Paris d’être décoré de la légion d’honneurs en France? C’est une sorte d’extraordinaire.”

“C’est une extraordinaire histoire Américaine à propos de l’arrivée mythe,” ajoute-t-il. “Non seulement le succès, mais la transformation.”

L’exposition n’a pas pour objectif de rendre hommage à l’écrivain comme une icône, mais plutôt comme une personne.

“Nous ne pouvons pas sous-estimer le périple qui l’a mené de Harlem à Paris et le voyage qui lui a pris de devenir un polémiste”, a déclaré la Sla. “C’est beaucoup de responsabilité. J’ai vraiment admiré pour cela.”

https://www.theguardian.com/books/2019/jan/23/james-baldwin-exhibition-hilton-als

La loutre de magie des Sorts de Chansons à pleurer pour sauver notre fuite campagne

Jet sentais comme de la musique folklorique équivalent des Avengers Assemble. En septembre dernier, je me suis retrouvé assis à une table à manger en bois dans le Lake District, avec plusieurs super-héros de la folk Britannique. Karine Polwart, Kris Drever, Julie Fowlis, Beth Porter, Rachel Newton, Kerry Andrew, Jim Molyneux – pourraient-ils vraiment tous dans la même pièce? Ou leur convergence dans un espace clos à cause d’un petit trou noir pour ouvrir quelque part près de la Keswick Tesco?

Karine, en essayant de trouver les prémices d’une forme pour la performance, nous avons été la planification, en sortit un ordinateur portable et a demandé aux gens de dire ce qu’ils pourraient jouer ou de faire. Remarquable réponses ont été modestement donné; la plupart des gens, il y avait trois instruments minimum, en plus de la voix; tous ont été également paroliers et compositeurs. Rachel et Julie étaient bilingues en Gaélique et en anglais; Karine et Kris chanté dans les Écossais. Il vint à moi. “Euh … de qualité-un enregistreur? La sauvegarde de kazoo? Aussi, j’ai une fois assis sur mon frère, hautbois et le brisa en deux.”





An illustration of an egret for the book The Lost Words.



Jackie Morris est l’illustration d’une aigrette, pour la
Sort des Chansons de l’album. Photo: Elly Lucas

WH Auden une fois contre un poète dans la société de scientifiques d’être “une pauvre vicaire dans une pièce pleine d’évêques”. J’ai eu quelque chose de minable vicaire de sentiment dans les Lacs de ce week-end. Il n’a pas aidé que je dormais dans une chambre qui avait été une fois de Samuel Taylor Coleridge’étude; pas de pression pour un écrivain, alors. Mais elle aussi ravie de m’être autour de musiciens à qui j’avais été à l’écoute depuis des années, et de les entendre répondre au travail de la mine.

Pour les Avengers se sont rassemblés pour élaborer un projet appelé Sort Chansons folk-adaptation musicale de La Perdu les Mots, par moi et par l’artiste Jackie Morris. Le sous-titre de La Perdu de Mots est Un Livre de Sorts; il était notre tentative de faire ce que Jackie appelle “un beau protester” contre l’appauvrissement du monde naturel qui est en cours tranquillement et horaire tout autour de nous. La “perte” de mots du titre de l’ouvrage sont 20 des noms pour tous les jours de la nature qui sont en train de glisser de quotidien, de la parole et de la connaissance, dans la mesure où ils ont été abandonnés à partir d’un lu un dictionnaire pour enfants en raison de la sous-utilisation. Ces mots forment une génération presque de A à Z, de “Gland” à “Wren” par le moyen de “Bluebell”, “martin-pêcheur”, “Alouette” et “la Loutre”, entre autres.

Pour chaque mot, j’ai écrit un sort d’invocation-poème à être prononcé à haute voix par le lecteur, qui cherche à évoquer ces noms communs en arrière dans la bouche et l’œil de l’esprit. “La loutre entre dans l’eau sans faiblir – ce qu’un souple curseur de holt et dans l’eau”, commence la Loutre sort. “Ce shape-shifter est un réel souffle-preneur, un cœur vous-bouchon, mais vous ne pourrez jamais apercevoir une ombre-flutter, bulle d’écheveau, et de ne jamais (ou presque jamais) à la loutre.” Jackie, un magicien de l’aquarelle et mine de plomb, peint d’abord la créature ou de la plante, de l’absence, puis sa réapparition comme un ensemble d’icônes avec feu sur la feuille d’or, et enfin sa pleine restauration de l’habitat dans lequel elle s’inscrit.





A hare and goldfinches.



Un lièvre et chardonnerets. Photo: Jackie Morris, 2017

Au début, je pensais que nous avions fait Le Perdu les Mots pour les enfants, mais à l’aube Jackie m’a dit (elle brooks peu de litige) que c’était un livre pour les gens de tous les âges et elle a, comme d’habitude, été prouvé droit. La vie sauvage de La perte de Mots continue de nous émerveiller chaque jour. Les campagnes populaires ont amassé de l’argent à placer des copies du livre dans chaque primaire et de l’école spéciale dans l’ensemble de l’Ecosse, la moitié de l’Angleterre et un quart-de-Galles. Le livre est utilisé par les organismes de bienfaisance et les soignants travaillant avec des personnes atteintes de démence, avec les réfugiés, avec les survivants de la violence domestique, avec l’enfance patients atteints de cancer, et avec les gens des soins en phase terminale. Il a été adapté pour la danse, le théâtre en plein air, l’avant-garde de la musique classique, et des milliers de projets d’école. Une copie est maintenant dans chaque hospice dans le pays, et la nouvelle Royal National Orthopaedic Hospital à Stanmore a quatre niveaux décoré du sol au plafond avec Jackie art – le livre devenu un bâtiment. Les Paroles oubliées a également été peints par des artistes de graffiti à tout poste dans les bois, près de Cardiff; livre-comme-construction dans un lieu différent.

Et comme le Sort de Chansons c’est de passer de la forme de nouveau – dans un groupe de musique folk concert et l’album. Bien que j’ai moi-même posséder toutes les qualités musicales d’un transat, j’aime collaborer en tant qu’écrivain avec des musiciens. J’ai travaillé avec l’Australian Chamber Orchestra sur la 2017 film de Montagne, et je suis en train de finir un projet appelé en Amont avec le compositeur allemand Hauschka, retraçant le parcours d’une rivière à contre-courant, jusqu’à sa source sur une montagne du sommet. Une manifestation ballade le Bois de coeur que j’ai écrit dans la défense de Sheffield arbres de rue a été récemment créé et chanté par une chorale communautaire en vertu d’une ancienne Sheffield elm menacés d’abattage.





Lost and found … the musicians gather at the table.



Perdu et retrouvé … les musiciens se réunissent à la table. Photo: Elly Lucas

Il fait sens pour moi que de la musique folk pourraient résulter de La perte de Mots. Jackie art fredonne, vacille et bourdonne, avec les mouvements et les bruits de la nature. J’ai écrit les sorts par-dessus tout d’être sonné. Et la tradition folklorique de la long double allégeance au paysage et à la protestation s’aligne précisément avec le livre fins qui lui sont propres. Il n’y a rien de nostalgique ou “hey nonny nonny” sur les musiciens impliqués dans le charme des Chansons. Karine Polwart 2016 album Une Poche de Résistance au Vent est une genre de rupture, forme de passage, belle-furieux mineur chef-d’œuvre qui existe aussi une performance dramatique et une Faber & Faber jouer du texte. Catrin Finch et Seckou Keitas’ Clarach, joué sur la kora, évoque le modèle de vol de l’oiseau – le balbuzard pêcheur – qui migre à partir du centre-sud de l’Afrique à la grande-Bretagne et à l’arrière.

J’ai été troublé ainsi que réconforté par la façon dont notre modeste gland d’un livre doit avoir grandi dans un tel wildwood. Il est clair pour moi que la réponse est d’environ beaucoup plus de forces et des sentiments qu’un simple livre. Nous vivons dans un âge de la perte, pour laquelle nous commençons seulement à trouver une langue de chagrin. L’Extinction et de l’épuisement sont en cours à une vitesse fulgurante dans les paysages sur la porte de notre maison. Ce que Michael McCarthy effroyablement appelle “la grande éclaircie” s’accélère. La perte de la langue, de l’espèce, aimé des lieux – est l’air du temps.

Après que nous ayons fini que la première séance de planification autour de la cuisine à Keswick, nous nous sommes assis en rond autour d’un feu ouvert, et les musiciens ont sorti leurs instruments et ont commencé étonnamment, il timidement à jouer. Il a été un enfer d’un concert privé; Kris Drever conte pour Scapa Flow, Rachel Newton chatoyantes loin sur sa harpe, Julie Fowlis chant étrange selkie chansons en Gaélique … je l’avais sortit de la cuisine lorsque les notes hautes de Beth Porter violoncelle a commencé à roulage à travers la maison. Ils ont enveloppé autour de mon cœur et me ramène à la chambre. Je me suis assis sur le sol et l’écoutais chanter une chanson qui s’appelle Chambre pour Trois”, environ deux parents et un bébé à flot sur un vaisseau de turbulence de l’eau, son de la voix de la flambée et plongeant à tisser un fragile de la chanson de la peur de ce qui pourrait être perdu, et d’une forte chanson de l’espoir de ce qui pourrait être conservé en lieu sûr.

Sort les Chansons Live est à Snape Maltings Concert Hall, Suffolk, 8 février; Birmingham hôtel de Ville, 9 février; le Royal Northern College of Music de Manchester, 10 février; et la Reine Elizabeth Hall de Londres, le 12 février.

https://www.theguardian.com/music/2019/jan/16/spell-songs-robert-macfarlane-the-lost-words-vanishing-nature-folk-musicians

Peter Greenaway plans de l’hippodrome hommage à Jack Kerouac livre

Il a été formé en tant qu’artiste, et a trouvé l’inspiration dans des tableaux de maîtres anciens dans certains de cinéma Britannique de la plupart des films d’avant-garde. Maintenant, le directeur Peter Greenaway est de travailler sur peut-être son plus ambitieux illustration loin d’un véritable champ de courses, comme un immense d’art en plein air de l’installation.

Ce sera un hommage à Jack Kerouac est le film culte Sur la Route, l’histoire d’un hédoniste, un road trip à travers les etats-unis, Greenaway cherche à recréer Kerouac de l’aventure pour le 21e siècle, ainsi que de soulever des questions sur “l’avenir de nos routes, et comment nous allons les utiliser”.

Greenaway des plans pour construire l’installation d’œuvres d’art à travers un acre à l’échelle du site. Il envisage sans pilote et les autres “très contemporain” voitures en excès de vitesse sur une piste de course, ainsi que dans et hors de la vie-de la taille des bâtiments.

“Nous ne parlons pas des modèles miniatures,” dit-il. “J’ai été intrigué sur la prise de l’idée d’aventures dans une voiture, qu’on pourrait décrire comme étant essentielle pour le roman de Kerouac, et aller plus loin. Nous sommes maintenant dans l’ère de la voiture électrique, et toutes sortes d’expériences en cours. J’ai été intrigué au sujet de la possibilité de faire une présentation de l’piloté par ordinateur, personne humaine-conducteur [voiture] comme une œuvre d’art”.





A sketch for the racetrack tribute



Greenaway est encore la collecte de fonds pour le projet. Photographie: Peter Greenaway

Demandé comment l’installation de rendre hommage à Kerouac, il a dit: “L’aventure de la voiture. Il y a un sentiment que les grandes années 1950, 1960, 1970 excitation au sujet de la voiture n’est plus tout à fait avec nous … les voitures sans conducteur signifie en quelque sorte un manque [de l’excitation]. Non pas que je suis un excellent conducteur de la voiture, [mais] … l’excitation est effectivement la conduite de la putain de voiture et de ne pas … derrière une roue dont vous n’avez aucun contrôle.”

Il veut l’installation de soulever des questions sur la façon dont nous sommes “couvrant le monde avec des miles et des miles de l’autoroute.

Greenaway est connu pour visuellement somptueux et complexes films qui ont poussé les limites. Ses productions, Le Cuisinier, le Voleur, Sa Femme Et Son Amant, avec Helen Mirren, et de Prospero Livres avec John Gielgud. En 2014, le prix Bafta, lui a rendu hommage avec sa remarquable contribution Britannique au cinéma, prix, notant: “Sa critique de la percée est venue en 1982 avec 17ème siècle drame, Le Dessinateur du Contrat, l’établissant comme l’un des plus importants cinéastes de son temps”.

Maintenant âgé de 76, il n’a jamais oublié la lecture de Sur la Route comme un adolescent. Kerouac est le nom est synonyme de rébellion, après Sur la Route inspiré d’un mécontents génération. L’auteur tapé sur un 120ft au long de défilement dans ce qu’il a affirmé était de trois semaines à l’explosion de l’énergie créatrice, en 1951, pour souffrir le rejet par les éditeurs, le désespoir et proche de la misère, avant de finalement paru en 1957.

Greenaway récemment relu le roman, et son projet d’installation a été mentionné dans un livre récent, intitulé Kerouac Battre la Peinture, doté de 80 peintures et dessins.





Peter Greenaway



Greenaway dit qu’il n’a jamais oublié la lecture de Sur la Route comme un adolescent. Photo: NurPhoto/Getty Images

Sur la Route de l’installation est dans les premiers stades de la planification. En raison de son échelle et de plusieurs millions de livres de coût, il peut être construit d’abord à Dubaï, où il y a déjà des intérêts dans le financement, avant de venir en Europe.

“Ces choses prennent une bonne organisation et beaucoup d’argent,” Greenaway dit. “Ça va être très cher. C’est probablement pourquoi le nom de “Dubai” a surgi dans l’esprit de tous les producteurs qui sont intéressés par le projet.” Les bailleurs de fonds potentiels y sont fascinés par le projet, dit-il.

Il a produit une série d’esquisses, de l’exploration d’idées et de montrer les excès de vitesse des voitures dans et hors des bâtiments. Il s’attend à ce que l’installation portant sur le cinéma et la documentation produite sur ordinateur, ainsi que des “full-size, utilisable de voitures”.

Il a dit: “Ce serait un hectare à l’échelle de grande installation … Ce pourrait être un sport de spectateur, où vous vous asseyez et regardez ce qu’il se passe, ou peut-être qu’il est interactif et vous pouvez comme d’ordinateur-lecteur une voiture vous-même. Il pourrait être un jeu où tout est prévu sur certains programme informatique.”

Si la piste de course pourraient devenir permanents de l’attraction, il a dit: “Peut-être”. Se référant à la Tour Eiffel, qui a été initialement construit comme une structure temporaire en 1889, il a ajouté: “Il est toujours là.”

https://www.theguardian.com/film/2019/jan/15/peter-greenaway-to-build-racetrack-tribute-to-jack-kerouac-book